CRÍTICA: STOKER

Qué es el cine? Seguramente cada aficionado al séptimo arte daría una respuesta diferente. Está claro que el espectador no quiere quedarse indiferente ante una propuesta. Quiere sentir amor, dolor, alegría y sobretodo interés por lo que le cuentan. Algunos buscaran en su aspecto formal su vehículo de conexión con la cinta. Otros, le darán más hincapié a los actores o al guión de la propuesta. Todos intentarán valorar el conjunto final pero está claro que hay tantos tipos de cine como espectadores. Pero por fortuna, Park Chan Wook sólo hay uno. Y es el mismo de Sympathy For Lady Vengeance, por ejemplo. La mejor noticia de Stoker es que el salto del realizador oriental al imperio hollywoodense no le ha restado un ápice de autoría...visual.

Porqué la históría aunque da pie a una vuelta de tuerca sutil grácias al talento del cineasta chino, es propio de un telefilm de sobremesa. Cuando India Stoker (Mia Wasikowska), una adolescente algo peculiar, pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un trágico accidente de coche el día en que cumple  la mayoría de edad su vida se hace añicos y se encierra en sí misma en un luto perpetuo. Cuando Charlie (Matthew Goode), el hermano de su padre, aparece por sorpresa en el funeral, decide hacerse cargo de ella y de su inestable madre ( Nicole Kidman).

Nadie podrá negar el empeño de Park Chan Wook en centrarse hasta el más mínimo detalle en cada fotograma. Impecable fotografía. Puesta en escena sublime. Su juego visual consiste en una gran variedad de planos, encuadres y juegos de luces. En detalles tan violentos como ampollas en dedos y tan florales como un campo de trigo o un ramillete de lirios blancos. Y una superposición de diferentes flashbacks como una matrioshka narrativa que es puro orfebrería. Sí, todo esto ahí. Incluso su edición de sonido desgarradora. Pero... ¿y el guión? Pues previsible, hasta decir basta. Y es una pena porque aunque la evolución del personaje en el libreto de Wenworth Miller es mas esquemática que lo debería y ni Mia Wasikowska puede salvar de la autoparodia y su acartonamiento que cae muchas veces en la película; aunque Park Chan Wook use el cinismo en mas de una ocasión para redimir su rigidez narrativa. No parece suficiente.

Así pues, Stoker es una pelicula tan buena como el guión se le permite al cineasta. Riddley Scott decía que un director era tan bueno como la historia le permite serlo. En este caso, es así. Y es una lástima que no lo sea más. Pero si miramos el vaso medio lleno podemos decir que Park Chan Wook no se ha vendido por el emporio de Sunset Boulevard. Y que de ser así nos puede dar grandes muestras en el futuro. Esta no lo es, pero no es nada desdeñable. Ni mucho menos. Pero no está a la altura de un director con tanto potencial…

NOTA: 6 

CRÍTICA: IRON MAN 3

El éxito de la primera Iron Man fue una concatenación de una serie de elementos que descifraron los gustos del público actual ( y lo hizo además llena de frescura y espontaneidad) : La búsqueda de un antihéroe al estilo House, el humor frente otras versiones más ampulosas de adaptaciones comiqueras y un actor en estado de gracia que disfrutaba convirtiendo su alter ego personal en la perfecta adaptación del playboy millonario que Stan Lee creó en 1963: Tony Stark. Este hecho, hizo que los productores encargaran enseguida dicha secuela pensando más en ella en un producto para su macrooperación comercial que seria los Vengadores que para darle entidad propia y que el guionista Justin Therox en mi opinión no supo transmitir progresión suficiente y naturalidad para pasa del correcto entretenimiento.

Es mejor no hablar demasiado del argumento porque el film tiene un montón de giros ingeniosos a partir del final de su primer acto tan brillantes como coherentes. Tan sólo diremos que Tony Stark/Iron Man se enfrentará a un enemigo cuyo poder no conoce límites y que le pondrá a prueba más que nunca. El resto será mejor que lo descubran ustedes mismos: mas acción que nunca, más oscura que nunca pero también sin olvidar el humor marca de la casa que encuentra el equilibrio durante todo el metraje de manera pasmosa. Tanto como la reflexión socio política que se marca el film de los síntomas propios de la era en que vivimos. Inaudita en el cine palomitero.

Poco más diremos de este Iron Man. Que la vean. Que la disfruten. Que es el show de Downey Junior y del guionista/director Shane Black (el último Boyscout, Arma Letal). Que sus secundarios y hallazgos también funcionan. Aquí por suerte, a diferencia de la segunda entrega no tenemos a Tony Stark envasado en el vacío. Tenemos la montaña rusa que pedíamos para darle un broche de oro a la saga. 

Nota: 8,5

CRÍTICA: DESPUÉS DE LUCÍA ( ATLANTIC FILM FEST)

Después de su cortometraje anticorrupción, Michel Franco ha vuelto como muchos amantes de las etiquetas lo han querido llamar  con"un Haneke high school". Una cinta que ha ganado el festival online mas importante de nuestro país, pero que tengo mis peros mas que grandes ante esta propuesta.

Tras perder a su madre Lucía, la joven Alejandra (Tessa Ia) se muda junto con su padre Roberto (Hernan Mendoza), depresivo por la pérdida de su esposa, desde la costera Puerto Vallarta hasta la capital México D.F., intentando cambiar de vida en otro sitio lejano. Pero allí la adolescente será víctima de bullying. 

No en vano, la forma de filmar recuerda mucho al director de Amour. Una relación familiar en silencio en donde se dice mas por lo que se calla que por lo que se dice y dónde las microacciones y el costumbrismo filmado desde la lejanía es la base del proyecto.

Desde el momento en que Roberto abandona un coche por extrañas circunstancias en el inicio del film hasta el plano final de un final sorprendente pero coherente hay un buen guión; un libreto que aunque está bien estructurado lo creo algo lineal. La soledad del personaje principal es una víctima de unos "presuntos amigos" que se aprovechan de ella para abusar de ella, torturando psicológicamente que no saben discernir entre lo que es una broma de lo que es un acto inmoral y despreciable contra un ser humano ( y reiterado). Esa soledad también es un contrapunto del personaje del padre que también tiene su propio calvario aunque esta vez sólo interior; lo que hace que el resultado de dichos pilares aunque siendo un tanto mónotono.  Los dos están de luto y lo pasan mal. No hay un contraste suficiente marcado en los dos roles principales que levantan el relato.
 

Sin embargo, el film esta bien narrado e interpretado y se percibe naturalidad y fluidez; a pesar de que es un tanto monocorde en cuando al tono. Pero para mi, el principal problema es el desenlace. A mi me parece inmoral. Creo que un tema tan grave como el acoso escolar no puede tener un mensaje tan negativo y tan poco ejemplar. Es por eso que no apruebo esta propuesta. El film no se merecería el suspenso pero creo que su decisión final o mejor dicho, su razón de ser no es justificable. Esto no es los Mercenarios donde el placer culpable y los bajos instintos pueden ser moneda de cambio. Es un film que denuncia que quiere transmitir algo que yo, personalmente no compro.

NOTA: 4

CRÍTICA: TIERRA PROMETIDA

Después de una etapa fuera de la industria, Gus Van Sant vuelve al mainstream para seguir su búsqueda de los sentimientos que mueven a las personas. En Tierra Prometida nos cuenta la historia de Steve Butler (Matt Damon), un ejecutivo de una multinacional llamada Global que llega a un pueblo con su compañera de trabajo, Sue Thomason (Frances McDormand), para comprar los derechos de perforación a los propietarios de las tierras, casi todos ganaderos. Steve intentará convencer a la gente de los beneficios de perforar sus tierras aprovechándose de la precaria situación que la crisis económica ha dejado a sus habitantes pero...¿ A qué precio?
 
Como podéis ver, una premisa muy de telefilm al que, sin embargo, tanto guionistas como director saben huir de los tics propios de un producto de esa índole. El director de Gerry pone la puesta en escena, disfruta filmando paisajes bucólicos y se pone en la piel en un buen artesano; sabiendo, sin embargo, que éste es sobre todo un film de guión y actores, donde secundarios como Frances McDormand, Hal Hoolbrook (Hacia rutas salvajes) o John Krasinki (Jim Halpert de la serie The Office) tienen que brillar con luz propia para cautivar el espectador. Y lo hacen. Con creces. 

En mi opinión, no destaca tanto en el reparto el líder del elenco: un Matt Damon que aunque está correcto, me parece que tiene un perfil demasiado frágil para la dicotonomía que nos tiene que presentar su personaje. Quizá sea el punto mas flaco de una muy buena película cargada de buenas intenciones, en dónde habitan roles perfilados con inteligencia y algún giro que la hace huir de lo previsible, sin que el relato pierda sensación de coherencia. Algo que el Matt Damon guionista -puesto que es él quien firma el libreto junto a otro de sus intérpretes, John Krasinski- hace con una comodidad pasmosa. Seguramente, porque como en el film, él también sabe el precio de la auténtica limonada...

NOTA: 7

CRÍTICA: MEMORIAS DE UN ZOMBIE ADOLESCENTE

Lo confieso: no me gustan los zombies. Mientras unos disfrutan con esta nueva de ola de muertos vivientes que se alimentan de carne humana, servidor observa con respeto ( pero también con perplejidad) como los aficionados de este cine disfrutan de sus placeres necrófitos en ficciones como The Walking Dead, The Revenants o blockbusters de inminente estreno: World War Z.

Es por eso que tenia muchas dudas al afrontar esta história de amor entre un cádaver errante y una joven humana. Y como esas dudas se desvanecieron a los pocos minutos de metraje. Porque amigos, esto no es un film zombiófilo cualquiera. Es una película de zombies para quien no le gusten las películas de zombies.
Memorias de un zombie adolescente es una sátira no sólo del subgénero si no de la zombificación de la sociedad actual. Los primeros minutos del film marcan el devenir del film: una sociedad muerta, monòtona y rídicula donde los sentimientos no tienen lugar. En un mundo desolado después de un apocalipsis zombi, R, un zombi adolescente se enamora de la novia de una de sus víctimas. Esta insólita relación provoca una reacción en cadena que cambia su vida, la de otros zombis y probablemente la de todo el planeta
.
Es por eso que el film aparte de la acidez en su humor, reinvidica lo naif, lo empalagoso y hasta lo cursi como sinónimo de rebeldía en estos tiempos tan oscuros que vivimos. Con una história "crepusculera" que sabe reirse de si misma con inteligencia, concesión y un uso de la música pop tan balsámica como casi demodé. Quizá le falte algun giro en su metraje y sea argumentalmente bastante previsible y plana, pero la frescura de sus protagonistas salvan al film de cualquier atisbo de aburrimiento.  Eso si, quien sea fan del género la propuesta del film le puede dar urticaria. Pero no es un film para ellos. Es para nosotros. Así que disfrutemos de este canto al amor, al flower power y ríamonos un poco de nosotros mismos. Creo que los médicos lo recomiendas. Algo que no hacen con comerse los sesos de los demás...

NOTA:8
     

CRÍTICA: TIPOS LEGALES

El cine de los 80 y sobretodo de los 90 convirtió la industria del cine en carne de adolescentes. Las nuevas generaciones nacieron bajo la opulencia y podían acudir al cine en masa, en busca de experiencias excitantes con montañas rusas de efectos especiales y aventuras maravillosas. Sin embargo, el sector se olvidó del público mas veterano, olvidándose de un síntoma primordial de esa nueva sociedad del bienestar: la esperanza de vida también se había prolongado y el envejecimiento de la población era ya un hecho.

Ahora, con la crisis que hay, Hollywood intenta arrastrar a esa parte de la población que le dió la espalda con propuestas mainstream que es lo mejor que saben hacer ( o les resulta más fácil). Y mas, si se puede rescatar viejas glorias con fines puramente alimenticios (que no artísticos). Tipos Legales nace en esa tesistura. Y es hija de ella. Y su poco agraciada misión es reparar el interés de su público potencial: el público de los 70, el que creció con ese cine unplugged donde se retrataba los bajos fondos de la sociedad ;con música de la época que reflejaba la decadencia de un mundo cínico y oscuro. Un mundo no muy diferente del actual.

Y lo hace con el siguiente punto de partida: Val (Al Pacino) sale de la cárcel tras 28 años de condena. Doc (Christopher Walken), su mejor amigo, le espera a la salida para ir a ver a Hirsch (Alan Arkin), otro viejo compañero de fechorías. A pesar de la edad, los tres gángsteres deciden reactivar esa misma noche su vida de crímenes, drogas y sexo en una juerga al mas puro estilo " Resacón en las Vegas". Sin embargo, Doc tiene que hacer antes un trabajo urgente que le ha encargado el jefe de la banda: matar a su amigo Val.


El principal problema que le encuentro a este film es que...no hay nada original. El film del director de Beso en Manhatann, realiza un corta y pega de una brusquedad apática. El cine nos ha dado buenas muestras de cine autoreferencial y dónde se le quita hierro al paso de los años como Space cowboys de Clint Eastwood. Pero la película de Fisher Stevens no tiene ni la mitad de ingenio del Harry Calahan director. Como comedia sólo consiguió arrancarme un par de risas porque sinceramente, este film me dió mas pena que gracia. Mucha lástima es lo que sentí al ver (sobretodo) un Al Pacino deteriorado tanto física como interpretativamente. En mi opinión, el actor se ha convertido en una copia mala de si mismo y me cuesta discernir entre personaje y actor, como es el caso; algo que hace bastante complicado disfrutar de los gags que protagoniza donde pretende que nos ríamos de la degeneración de su persona. No soy nadie para decir lo que tiene que hacer el señor Al Pacino (ni nadie) con su carrera pero creo que  ahora mismo, el actor que ganó el óscar por Esencia de Mujer está caminando por una dirección equivocada. Y me transmite esa sensación en sus últimos trabajos.

Por su lado, Christopher Walken está mucho mejor y Arkin esta en su línea, pero desaprovechado por el libreto. Y todo esta tan visto por el espectador que sólo sorprende "relativamente" el último segmento del film donde la melancolía se adueña del relato y las miserias lucen mejor que ese burdo disfraz de comedia en la que hace gala durante el metraje. Es por eso que apruebo in extremis esta propuesta. Pero hay muy poco que rascar. Si una comedia no te hace gracia, es muy difícil disfrutar de ella. Ese fue mi caso. Lástima.


 NOTA: 5

CRÍTICA: L' AGE ÁTOMIQUE ( ATLANTIC FILM FEST)

¿Aceptamos juventud como sinónimo de problema? El arte a partir del siglo XX hace apuntar a que si; sobretodo en los países de cultura capitalista como USA. El disparo de salida lo realizó en 1904 el psicólogo G.Stanley Hall en su libro " Adolescente"en el que anunció el "descubrimiento" del adolescente norteamericano; y en donde definió la famosa "edad del pavo" en una etapa de sturm and stress (tempestad y agitación). Stanley se adelantó a la herencia que décadas después les dejaría a las nuevas generaciones las dos grandes guerras: Rebelde Sin Causa de Nicholas Ray retrató ese malestar de la juventud en el cine y convirtió a James Dean en el referente de una generación tan joven como perdida.

Ahora, 50 años después, la juventud post 11 S y post crisis mundial es retratada por Héléna Klotz en L’âge atomique. Dos amigos se van de juerga parisina una noche. Tan sencillo como eso. Y a la vez tan efectivo. Un hipnótico relato concentrado en poco más de una hora de duración que deambulan entre luces de neón, fracasos rotos y la mas profunda soledad.

Dominick Wojcik y Eliott Paquet son los protagonistas de esta historia gaseosa encarnando a juguetes rotos que parecen replicantes de Blade Runner en una París irreal.Uno de ellos intenta besar desesperadamente a una chica. El otro se siente abrumado por el deseo que siente hacia su amigo. Apenas hay argumento y sin embargo, la história nos hipnotiza hasta su conclusión metafórica. Pero también para este crítico, esta obra también le resulta algo insatisfactoria. Parece que Héléna Klotz se queda sin discurso en los últimos compases; realizando un desenlace redundante y dando la impresión, que mas allá de la experiencia sensorial, la cineasta se ha quedado en la superficie del problema. Si, están sólos y perdidos. Eso ya lo sabíamos al principio. ¿Y algo mas?

En definitiva, un viaje extraño con una última estación algo amarga para mi gusto pero una buena odisea parisina, casi espiritual. Que se apaga poco antes de cruzar los 60 minutos pero que resulta estimulante  y entretenido si uno se deja llevar. Si, para este humilde crítico podría haber sido mas pero lo es tampoco no está nada mal.

NOTA: 5,5

CRÍTICA: TESIS SOBRE UN HOMICIDIO

El thriller intelectual es una derivada del cine de intriga dónde se plantea un concepto de tesis de caracter erudito con un género tan comercial como el trhiller de todo la vida. Para ello, este film argentino plantea como si un caper (film de atracos perfectos) se tratara una batalla de intelectos donde el profesor deberá intentar cazar al alumno. El mejor exponente lo realizó Joseph L. Mankiewicz en la Huella, un ejercicio casi teatral donde Lawrence Olivier y  Michael Caine jugaron una batalla de ajedrez de estrategias intelectuales.

Algo muy parecido que hace en este film Roberto Bermúdez (Ricardo Darín), un abogado de 55 años de edad de capa a caída. Y es que aunque tiene una extensa y reconocida trayectoria, el paso del tiempo le ha ido alejado de la actividad legal para dedicar sus días a la docencia y a la escritura de libros que analizan el funcionamiento de la Justicia. Una noche, durante una de las clases de su seminario, un espantoso crimen sacude la Facultad de Derecho y Roberto empieza a sospechar de unos de sus alumnos, Gonzalo (Alberto Ammann)...

Ricardo Darín esta esplendido. Lleva todo el peso de la acción con un portento digno de los grandes actores. Respecto a la dirección de Hernán A. Golfrid  y el guión de Patricio Vega a partir de la novela de Diego Paszkowski, sus trabajos también son bastante sólidos.  Sin embargo, también es cierto que  detecté en visionado sobretodo en el tramo central del film, cierta pomposidad algo acusada.

Pero este cóctel de serial killer, thriller intelectual y whodunit (prototipo de film en donde hay que adivinar el asesino, es decir quien lo hizo..) empieza bien. Con unos fantásticos golpes de efectos humorísticos que definen el cinismo del personaje protagonista, un decrépito gafapasta que vagabundea entre seminarios criminalísticos, firmas de libros y un algún affaire esporádico por el camino. Pero como comentaba, durante el proceso de investigación del protagonista decae un poco; aunque eso si para remontar en un tramo final con un par de giros donde a golpe de martillo se dinamitan algunas normas del género. Y un desenlace que simplemente diré que da que hablar.

Poca cosa pueden hacer los secundarios en este film. Incluso Alberto Ammann está algo diluido y discreto ( amén de un acento discutible) en comparación con otras ocasiones. Pero Ricardo es de esos actores capaz de liderar un proyecto y mas si tiene una buena materia prima como esta Tesis sobre un Asesinato. En definitiva, una buena propuesta de noir para ver  en el cine. Un buen film de intriga que hará trabajar nuestras neuronas y nuestros ojos en busca de respuestas. Eso siempre es bueno.

NOTA: 6,5

CRÍTICA: PERFECTE SENSE ( ATLANTIC FILM FEST)

Algo ocurre en la industria cuando un film así ni siquiera se ha estrenado en salas. El director de Young Adam, David Mackenzie, vuelve a repetir con Ewan MC Gregor es una de las mejores historias de amor que servidor ha visto en mucho tiempo. Es tan monumental que a uno se le acaban los adjetivos al valorar este canto a la vida, a la amor desde el mas puro infierno apocalíptico.

El chef Michael (Ewan McGregor) y la investigadora Susan (Eva Green) se conocen y se enamoran mientras se extiende por toda Europa una grave epidemia que priva a la gente de sus percepciones sensoriales. En un in crescendo emocional que va atravesando todo el metraje como una columna vertebral que se va haciendo añicos, la humanidad pierde progresivamente sus sentidos de forma imparable: primera el olfato, luego el gusto, etc...

No es otra película apocalíptica mas. Aquí no hay ni héroes ( ni antihéroes) tratando de encontrar la causa o la solución a la extraña enfermedad que se va extendiendo por fases alrededor de todo el globo terráqueo. Sabemos que simplemente esto no va a acabar bien. Y sin embargo, no podemos dejar los ojos puestos en la pantalla grácias a la honestidad y sinceridad que hace gala todo el equipo. Desde la maravillosa pareja protagonista cuya química traspasa la pantalla. Con los secundarios como Ewen Bremner (Jack el Cazagigantes), Connie Nielsen o Stephen Dillane ( Juego de Tronos). Y sin olvidar un guión sólido, perfecto que se permite el lujo de sonar natural, sin imposturas melodramáticas acariciando el humor de forma sabia, sencilla y magistral. Simplemente una maravilla de aquellas que cierra el telón con un plano final sobrecogedor de los que merece aplauso.

¿Y porque no ha encontrado aún distribución si este film es de 2011? Quizá es demasiado " poco convencional" para el gran público? Quizá, pero también es verdad que cuando se estrene será una de las peliculas del año. Sea el año que sea.

NOTA:9