ENTREVISTA DE FRANÇOIS OZON: "MIS PELÍCULAS HABLAN MUCHO DE LA IDENTIDAD"

Empezó asesinando a su familia en un cortometraje amateur sin sonido llamado Foto de Familia. El director François Ozon involucró a sus padres y hermanos como actores para mostrar una poderosísima carta de presentación tan perturbadora y personal como acreditadora de una carrera prometedora. A partir de aquí, una trayectoria de un cineasta sin tabús con un mundo personal propio e intransferible cuyo punto álgido fue la Concha de Oro de 2012, una de las más sonadas de los últimos años. Impactó a público y crítica con En la casa, donde realidad y ficción se mezclaban en un contundente relato metalingüístico seguido de Joven y Bonita, la historia de una adolescente empujada irracionalmente a la prostitución.

Ahora es el turno de Mi nueva amiga. El film de Ozon fue presentado en la Sección Oficial del festival donostiarra el año pasado. En esta ocasión, para el equipo enviado a cubrir el Zinemaldia, el placer no fue sólo doble, si no triple. Amén de disfrutar del visionado del film, Facesonthebox tuvo el placer de entrevistar gracias a Golem Distribucion, no sólo al director francés si no a su protagonista Romain Duris, una de las estrellas francesas más importantes de su país; con títulos en su filmografía  tan destacados como La espuma de los días o Populaire. Después de nuestra entrega con el actor francés, es el turno de saber que nos dijo el director del film en cuestión: Monsieur Ozon.

UNA TARDE CON OZON

Delante de varios periodistas, en una terraza del lujoso Hotel Maria Cristina, un elegante Ozon aparece antes nuestros ojos. Transmite distinción, seguridad, y aplomo, pero también complicidad y cercanía. Se le ve muy cómodo promocionando el film. Le preguntamos si dicha tranquilidad se debe a que su anterior visita a la capital de habla euskera se fue con la Concha de Oro. Él nos confiesa lo siguiente: "Bueno, la verdad es que yo cuando voy a San Sebastián nunca pienso en el premio. Eso es lo de menos. Primero, porque es un placer venir porque el festival de San Sebastián tiene un buen público cosa que no ocurre muy a menudo en los grandes festivales. Y segundo porque tengo un buen distribuidor como Golem, que me facilita el acceso a este certamen y también necesita que le apoyen". Así pues, parece que Ozon se siente como en casa en un festival muy afín a su forma de ver las cosas. Y si os preguntáis, de qué forma ve las cosas el cineasta de París, antes de que contéis hasta tres tendréis la respuesta…

NACE LA IDEA

"La idea de la película vino acerca de lo me contó una amiga documentalista que hizo un documental llamado Transgenero, a la cual le pregunté sobre los travestis y porque un travesti quiere vestirse de mujer. Entonces, ella me contó un caso muy curioso. La de un hombre que empezó a vestirse de mujer después de que ésta falleciera. Y lo hacía porque era una forma de devolverla a la vida".

LOS FANTASMAS DE LA MENTE

"A mí lo que me interesan realmente son los fantasmas, pero desde el punto de vista psicológico. No me refiero a los otros fantasmas...eso es lo que yo quería desvelar en la película. También hay que tener en cuenta que la cinta está contada desde el punto de vista de Claire. Y en el film hay dos momentos donde entran esos fantasmas".

 LA IDENTIDAD COMO TEMA COMÚN

"Yo creo que mis películas hablan mucho de la identidad. Y hay muchas formas de identidad. Existe la identidad sexual, social, familiar, política...Y el personaje de David, probablemente, necesita justamente a Virginia para trazar un camino en busca de esa identidad".

 LA COMEDIA DENTRO DEL DRAMA

"Creo que no hay que huir nunca la comedia dentro del drama. Dentro del mayor drama puede haber momentos cómicos. Eso no me parece mal. Al contrario. Además de eso, yo quiero que la película  alcance a muchos espectadores.  Y para eso tiene que ser un entretenimiento. Por eso están esos puntos cómicos. Pero es algo que simplemente surge, nunca es algo intencionado".

ROMAIN DURIS

"Fue un auténtico placer trabajar con él. Porque hace muchos años que él quería trabajar en un papel así. Tenía realmente muchas ganas. Así que le llamé e inmediatamente dijo que sí. Entonces quedamos para hacer diferentes pruebas para el personaje: de vestuario, maquillaje, etc...Y fue realmente allí cuando lo vi. ¡Porque era tal el placer que tenía él de vestirse de mujer!: Ponerse los tacones, las pelucas… ¡Era fantástico! El problema estaba en que en Francia él es un actor muy popular y que el es un poco el emblema del “guaperas” masculino por excelencia. Y además de eso, él es muy peludo. Es por eso que hubo que depilarle, rasurarle,… ¡fue tremendo!…(Risas)".

LA VERDADERA MUJER

"Realmente, la persona que realmente se hace mujer en esta película es Claire. Ella se reconcilia a través de Virginia con su feminidad. Porqué cuando vemos al inicio del film a Claire con el personaje de Laura de pequeña, ella siempre está en las sombras. Una es guapa y rubia y la otra es más bajita y se queda siempre a un segundo plano…Pero Virginia no es realmente una mujer.  De hecho, tampoco es un hombre. Es una criatura porque lo es todo y nada la vez: Mamá, papá,, etc.".

CINE PARA CONCENCIAR

"A mí lo que me interesa es plantear preguntas. No es algo que haga conscientemente. Temas como el travestismo o la prostitución no sólo son temas actuales si no asuntos que a mí me interesan. Así pues, me gusta plantear dilemas y decirle a la gente: Mira, ocurre esto y sucede esto otro…Para que a partir de las cosas que presento en mis films, puedan encontrar cierta lógica".

La entrevista llega a su fin. Realmente uno le da la sensación que podría estar horas hablando con el director francés. Desde aquí, este humilde redactor agradece esos minutos con el director de En la casa. Merci Beaucoup Monsieur Ozon!

ENTREVISTA A ROMAIN DURIS: "TENÍA MUCHAS GANAS DE INTERPRETAR A UNA MUJER"

¿Quién le iba a decir a este hijo de un padre arquitecto y una madre ingeniera, amante de la música y la pintura que acabaría siendo uno de los galanes del cine francés por excelencia? Pero en su juventud, Romain Duris no tenía muy claro quien sería. Dejó la carrera de artes aplicadas en la Universidad para dedicarse a la pintura, pero tampoco eso le duró mucho, como tampoco su rol de batería en un grupo de jazz-funk-rap. Fue Cédric Klapisch, quien a la salida de  un casting le convenció que probara eso de ser actor y lo involucró en sus próximos trabajos. Después de eso, el actor parisino Romain Duris se ha convertido en más que una realidad. Se ha labrado una de las trayectorias mas sólidas de Francia. Su papel en el film de Klapisch, Una casa de locos, lo catapultaría a una fama que ha ido consolidando en films como Arsène Lupin, Las muñecas rusas, Populaire o La Espuma de los días.

Pero ahora, Duris afronta un nuevo reto en su carrera. Su primera colaboración con uno de los maestros actuales del cine francés: François Ozon. En esta ocasión, Duris encarna un papel arriesgado en una comedia llamada Una nueva amiga, que llega a los cines españoles este viernes 15 de mayo.

Si queréis saber más de este film, los seguidores de FacesontheBox estáis de suerte. En San Sebastián, amén de poder visualizar el film, pudimos entrevistar a las dos piedras angulares del proyecto, dos de las figuras más importantes del cine francés actual: El directot François Ozon y el propio Roman Duris. Con la entrevista al actor de Le Divorce empezamos este especial sobre el film que llega a nuestros cines, gracias a Golem Distribución.

Romain Duris transmite serenidad. Parece que las horas de junkets no le afectan. Quizá sabe que, gracias a una de las entrevistas que realizó en su día, está aquí presentando esta cinta. Pero no adelantemos nada. Porque en 3, 2 ,1…él responderá todo acerca de Una nueva amiga.

**Spoiler Alert: Os avisamos que esta entrevista puede revelar algún dato relevante acerca del propio film y de sus personajes. Así que si queréis, podéis ver primero la película y luego adentraros en el contenido de la misma.



 ADIÓS AL GALÁN

"Tenía muchas ganas de interpretar el papel de una mujer. Y François Ozon debió leerlo en alguna revista porque él ya lo sabía. Así que en el momento en que me propuso interpretar este papel, en el cual debía de realizar una transformación radical física, como ya tenía muchas ganas desde antes, le dije inmediatamente que sí. Curiosamente, me di cuenta que muchas de las notas que utilizaba para interpretar personajes viriles como en otras de mis películas, eran exactamente las mismas que el de esta ocasión. Sí, eran las mismas teclas. Sólo que esas mismas teclas había que pulsarlas de forma diferente para obtener el sentimiento femenino"

HUYENDO DE LA PARODIA

"Desde el principio trabajé con un bailarina que fue quien me ayudó en caer en la caricatura o de hacer cosas que no resultaran ridículas. Es cierto que al principio del film, los gestos podrían ser más exagerados. Pero aun así, me di cuenta que si los gestos que hacían no eran encarnados -es decir, que surgieran desde dentro- sí que caerían en la parodia, en la caricatura o simplemente en algo exagerado. Por eso, desde el inicio, al trabajar con ella, me di cuenta cuando era demasiado. Así pues, a partir de ahí lo fuimos limando todo hasta el resultado final".

VERACIDAD

"Lo que sobre todo tiene que haber es autenticidad en el personaje. A partir del momento en que tú tienes confianza y tienes el deseo de convertirte en una mujer, todo sale".

RELACIÓN CON CLAIRE

"Mi relación con el personaje de Claire fue bastante natural y espontánea. Desde el primer momento nos dimos cuenta que con la actriz que interpreta Claire, Anaïs Demoustier, teníamos una conexión muy sencilla entre ambos. Desde el inicio del rodaje, nos hablamos y nos escuchamos. Porque desde el principio del largometraje, los personajes se complementan en muchos casos. Así que eso fue muy importante. Y además de eso, las situaciones presentadas en el guión eran muy claras y eso también facilitó las cosas".

**HISTORIA DE AMOR ATÍPICA

"Siempre pienso que esto es una historia de amor, pero bastante peculiar. Uno empieza desde cero. Aunque ella sí tiene una relación que tiene una correlación con la que ellos dos comparten. Pero es sobre todo una historia de amor que se empieza en secreto y se construye a partir de ese secreto. Y dicho secreto suscita al deseo. Es similar a una historia de amor entre dos amantes. Y este es el primer elemento que origina lo que luego va a venir".

CRÍTICA: MI NUEVA AMIGA

Creo que François Ozon cada vez está más cómodo en su cine. Sus dispares ingredientes cada vez son más compactos. Es muy complicado hablar de los temas  de la forma en que el cineasta parisino lo hace. Una nueva amiga es un buen ejemplo. En ella, la muerte de una mujer desencadena una crisis de identidad de su marido que comienza una extraña relación con la mejor amiga de su mujer. Pero ya podréis imaginar que la cosa no se quedara ahí.

Para contar esta historia, en los primeros compases, Ozon nos sorprende con una introducción digna de su nombre. Como si Ozon se convirtiera en el Peter Docter de Up, nos resume en una sublime secuencia que describe la esencia de vida, concentrada en varios años de la vida de dos seres humanos. Sólo que esta vez es la historia de amistad -amén de romance platónico-lésbico- y un aparentemente  colateral vértice del triángulo ejercido por Romain Duris. A partir de aquí, una vez la introducción acaba en una resolución amarga, seguimos en los ojos de Claire, encarnada por Anaïs Demoustier hacia una vía diferente: La comedia. Este podría ser el devenir de un film que pasa de la carcajada al llanto con un talento asombroso. Y si bien a partir de ahí, Ozon no alcanza la maestría del primer acto, su gran desarrollo de personaje y su control de los instrumentos narrativos (tanto de dirección como un libreto lleno de giros que no traicionan el relato) conforma una magnífica dramedia, que bien podría ser como una versión luminosa de la oscura La piel que habito.

 Y si Ozon demuestra talento, los actores también lo hacen. Sobre todo uno en particular. Magnífica interpretación de Romain Duris en el que quizá es el papel de su carrera. El cambio de registro y su ruptura total con su imagen de galán con este personaje es digno de aplauso. Romain, junto a la química que tiene con el personaje de Anaïs, nos regalan un viaje lleno de contrastes sobre el tema favorito del cineasta: La identidad.

Así pues, Ozon y Duris son las figuras por las que sustenta este film y eso nos trae un film notable, cuya resolución quizá le falta la redondez de la magistral Joven y Bonita- para quien suscribe la mejor cinta de su director-. Pero que confirma a Ozon como uno de los directores europeos con una voz autoral más sólida y notable.

NOTA: 7

CRÍTICA: SAMBA

Samba es una buena película. Su metraje pasa en un suspiro, los directores Éric Toledano y Olivier Nakache dejan respirar a los actores en estado de gracia y hace que la interesante historia fluya natural y dramática, pero también por momentos divertida, sin caer en la maldad ni tampoco en la artificio. Pero no, no es Intocable. Y es que aunque es injusto valorar una cinta por la calidad de la anterior de sus responsables, en este caso creo que el resultado es más discreto, pero como he dicho del todo menos desdeñable.

Se trata de una cinta que en tono de comedia dramática (o romántica, ya que está vertebrada en una historia de amor aparentemente imposible), que nos plantea la situación de la inmigración ilegal en Francia a través de los ojos de Samba, encarnado por un gran Omar Sy. Así pues repiten directores y protagonista en una historia que amén de repetir ciertos esquemas de su propuesta anterior se arriesgan por tener ente propio hasta aumentar la dosis de drama y huir del estereotipo o la repetición el rol de Omar, aquí un personaje más introvertido y corriente que el de la film previo de Toledano y Nakache.

El resultado da fe que los cineastas saben llevar el tono a lo largo del film, con una veracidad en la puesta en escena exenta de hipertrofia formal y verbal. Algo que es de agradecer ya que ante intelectuales que creen que representan a la clase obrera con su cine cuando solo se representan a sí mismos, sí podemos decir que el cine de estos cineastas  es mucho más afín a su target y con la honestidad necesaria para este tipo de productos.

Samba la película, sí seria la película que los "Sambas" reales irián a ver y es mucho más probable que se sientan identificados con esa forma de representar su mundo que con la de otros axiomas, que con todo el respecto, creo que caen en saco roto. Es por eso que me resulta algo agrio el desenlace de Samba, quizá el punto mas flaco ante una historia de final complicado dentro de los mecanismos de la feel good movie en los que se mueve. No pasa nada. Ahí esta la pareja atípica de Charlotte Gainsbourg y Omar Sy con una tensión sexual no resuelta muy bien urdida desde el momento en que ella (Servicios Sociales) y Samba (Senegalés sin permiso de trabajo) se ven por primera vez. y, como en toda comedia romántica clásica que se precie, no faltan Tahar Rahim e Izïa Higelin, los secundarios alcahuetes en cada polo del film que amenizan la función y quitan hierro al film.

Una cinta con gags tan inspirados como el momento Coca Cola Light de los limpiacristales, sin duda lo más memorable de un film que nos habla de un mundo tristemente e injustamente divido por ciudadanos de primera o de segunda. Porque todos somos iguales y eso es una de las cosas que nos recuerda con convicción y  una honestidad muy poco común, Samba de Éric Toledano y Olivier Nakache.

NOTA: 7

CRÍTICA: ALGUIEN A QUIEN AMAR

Del mismo modo que cada persona es un mundo, cada país tambien lo es y por ende, su cultura e cine. Basta con hecharle un vistazo a las cinematografias japonesas, francesas o italianas para desgranar sus características, sobretodo respecto al empleo del lenguaje cinematográfico. En el caso de los daneses, su estilo pulcro, gélido y contenido es la forma de entender la narración fílmica. Una sobriedad que le sienta de maravilla a "Alguien a quien amar" en la que dicho envoltorio ejerce de precisa caja de resonancia para la historia; al acoplarse a ella con suavidad y elegancia. 

Justamente, es el relato lo menos especial de la propuesta, a pesar de su carga humanista. Thomas Jacob, un cantautor de fama mundial ( un cruce entre Joe Cocker y Nick Cave) regresa a Dinamarca para grabar un nuevo álbum y reunirse con la hija de la que se distanció. Ella le presenta a Noa, su hijo de 11 años antes de que sus vidas cambien para siempre....Como pueden comprobar, nada nuevo bajo el sol. Pero la emotividad de la historia funciona, sobretodo en los momentos dónde una cámara sobria pero precisa cierra el plano en los personajes para transmitir sus sentimientos de forma antropólogica o cuando los libera a la lejanía de sus cargas emocionales. Un sistema similar al que usó Fernando Franco en " la Herida" aunque estamos ante una cinta muy diferente..

Se trata de un ejercicio de estilo de drama al estilo nórdico donde sus rasgos mas virtuosos se ponen al servicio de una historia sencilla. El resultado dista de ser la octava maravilla pero es una lección de buen cine con un Mikael Persbrand magnífico, una historia "bonita" ( y para que negarlo, necesaria) con unos ajustados 100 minutos de metraje y una BSO de escandálo. 

¿Aún no se la ha vendido?

NOTA: 6,5

LOS MEJORES ESTRENOS DE 2014

LOS MEJORES ESTRENOS DEL AÑO 2014

Es imposible ver todos los estrenos que han llegado a las salas españolas este 2014. Pero este año he superado al anterior en número de peliculas vistas, algunas tan diferentes que es imposible reunirlas en un sol Top 10. Así pues, me he decidido por destacar un TOP 10 internacional con otro ránking de 5 estrenos nacionales, en los que destaca la llegada de la llegada de un autor singular (Magical Girl de Carlos Vermut) y el mainstream de alta calidad y voltaje (El Niño de Daniel Monzón). A su vez, he querido rescatar 5 cintas que bien podria haber entrado en el decálogo de lo me has me ha gustado este año; en el que destacan films como Lucy de Luc Besson que mezcla la neo-acción con el docu-ciencia de forma magistral y la no menos excelente proeza de Richard Linklater de resumir la infancia "en tiempo real" en Boyhood. Porque aunque hemos de "vender" el artículo con la etiqueta de "mejor", ese adjetivo es algo tan personal e intrasferible como fácilmente mutable.

En el top 10 lo que mas me ha sorprendido de todo este 2014 es la fuerza de Martin Scorsese después de su dilatada y esplendorosa maestra, marcándose una obra del nivel de "El Lobo de Wall Street". Por su parte, del continente asiático me ha sorprendido la crónica gangsteril hindú de Gangs of Waseypur que mezcla el cine de gángsters del Padrino con el Western y el Heroic Bloodshed entre otras muchas referencias; y el cambio brutal de Jia Zhangke en su mejor film, Un toque de Violencia. Un Top reinado por Estados Unidos ( no, en vano, el máximo creador y exportador de cine en el mundo) que también deja paso para sus vecinos en Canadá (Mommy de Xavier Dolan y Enemy de Denis Villenueve) que vienen pisando fuerte. Y por último, destacar otra obra magna del que considero el maestro del blockbuster de este siglo (Interstellar de Chris Nolan) y la llegada de John Carney a la industria USA dando la feel good movie mas fresca del año: "Begin Again."

MEJORES ESTRENOS INTERNACIONALES

1. EL LOBO DE WALL STREET
2. UN TOQUE DE VIOLENCIA
3. BEGIN AGAIN
4. INTERSTELLAR
5. ENEMY
6. A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS
7. MOMMY
8. GANGS OF WASSEYPUR
9. HER
10.THE EQUALIZER


MEJORES ESTRENOS NACIONALES

1. MAGICAL GIRL
2. EL NIÑO
3. LA ISLA MÍNIMA
4. OCHO APELLIDOS VASCOS
5. RELATOS SALVAJES





MENCIONES ESPECIALES



1. LUCY
2. JOVEN Y BONITA
3. ¡OH BOY! 
4. BOYHOOD
5. HOMBRES, MUJERES Y NIÑOS

CRÍTICA: LEVIATÁN

Kolia es el único que queda en el pueblo situado a orillas del mar de Barents, al norte de Rusia, ya que todos se han ido a la ciudad. Trabaja en un taller de mecánica al lado de su casa, donde vive con su joven esposa y su hijo, fruto de una relación anterior. El alcalde del pueblo está decidido a apropiarse de la de la casa y del taller de Kolia a toda costa. Primero intenta comprar el terreno, pero Kolia no está dispuesto a vender.

Cada vez detecto ya sea en el blockbuster más palomitero o bien en una película de autor europeo, una tendencia a hinchar el metraje que le hace un flaco favor a la cinta. El caso de Leviatán, de Andrey Zvyagintsev, me parece que entraría en este saco. Me da la impresión que esas casi 2 horas y media podrían durar 90 minutos, si se hubiera optado por la concesión en una historia llena de buen cine, pero a la que le cuesta mucho arrancar y terminar.

El inicio rodado en la hora mágica (enorme fotografia premiada en el Festival de Sevilla) nos pone en situación en un paraje perdido con esqueletos de animales abandonados en la playa para luego hacer una radiografía de una sociedad rusa que huele a vodka, a disparos y gotas de humor enfermizo. Su protagonista, interpretado por Aleksey Serebryakov, no se va a ganar la simpatía de la audiencia, aunque su causa si lo haga. Quizá mas lo hará la vulneralidad del rol de Elena Lyadova, una de las pocos que se escapa de esa degradación moral, que no tiene mas redmedio que asumir con estoicidad.

Es justamente una escena de picnic familiar donde el director de El regreso captura esa esencia de forma magistral. Eso y los tejemejes del alcalde corrupto interpretado por un gran Roman Madyanov son la salsa de un film que, por otro lado, no puede evitar caer en subrayados demasiado obvios: la letrada que lee sentencias sin respiración y el discurso "ortodoxo" final, que caen en los peores defectos del film de denuncia.
Luces y sombras para un sobrio trabajo por encima de la media cuyos coqueteos con el suspense y la comedia mejoran una materia prima, a veces demasiado anquilosada por su trascendencia y cuya mayor virtud es la siguiente: Una capacidad de autocrítica brutal, que no tiene parangón en nuestro país y que muestra una Rusia como dicta su título, como un monstruo marino insondable.

NOTA: 6

CRÍTICA: EL EXTRAODINARIO VIAJE DE T. S. SPIVET

Atención madres y padres: ya basta con atiborrar a vuestros hijos de fármacos contra hiperactividad y otras estupideces. Porque si os dais por aludidos, aquí este director francófono ha llegado para deciros que aquí el único que tiene el cerebro atrofiado sois vosotros. Y eso es culpa de tanto consultar la Wikipedia por el móvil.

Porque en la edad que comprende de la infancia a la adolescencia, los niños tienen que ser un polvorín de preguntas, imaginación y barroquismo tan grande como el que aquí vuelve a demostrar Jean-Pierre Jeunet en su última cinta, El extraordinario viaje de T.S. Spivet. Todo para que a través de unos colores saturados, personajes esféricos y movimientos de cámara cartoon- circense nos llega la historia de T. S. Spivet, un pequeño genio en la ciencia que busca no sólo entretener si no ofrecer valores no tanto estéticos si no morales: sin maniqueísmo, con inteligencia y con lucidez. Y paradójicamente lo hace mediante el instrumento tecnológico de última moda: un 3D ideal para troquelar la ficción del cineasta francés.

Y es que a diferencia del "Peterpanismo" que vimos recientemente en el Gran Hotel Budapest, el carácter naïf del director de Delicatessen dista mucho con el universo "Wesandersiano". Dónde en uno, apela el espíritu del nerd encantado de serlo apoyándose en el armazón de sus historias como vínculo emocional, aquí todo es un júbilo encanto de su infancia. Un festín protagonizado por Kyle Catlett en el rol de T. S. Spivet; superdotado de doce años que vive en un rancho en Montana con su peculiar familia. Su gran talento para la cartografía pronto tiene recompensa. Una institución científica le concede un prestigioso premio y, armado con una pequeña maleta, se dispone a cruzar el país para recogerlo. Así es como empieza esta road movie basada en un relato de Reif Larsen, música de Denis Sanacore, fotografía de Thomas Hardmeir y cómo no, un diseño de producción del gran Marc Caro. Y actores perfectos en el papel, claro está: como esta mentora mediática a la que da vida Judy Davis.


Sin embargo, a pesar de estas rasgos que humildemente señalo como virtuosos (habrá que los repelará justamente por lo mismo, obviamente) considero que la película no es perfecta. Sobre todo a mitad del metraje, se antoja que el viaje por Usa hasta el Smithsonian del pequeño lumbreras está a punto de caer en la mera caligrafía autoral. Sin embargo, un ácido final dónde la telebasura y todas los prejuicios educativos mencionados anteriormente se introducen en la guillotina,  el film levanta el vuelo. Y se eleva como un producto necesario ante la estulticia de cierto cine infantil de carne y hueso, que si bien no rompe la pana, seguramente se alzará con lo mejor de la estirpe de su cosecha. Quizás es menos de lo que esperamos de Jeunet, que es la más "comercial" de este director, pero El extraodinario viaje de J. Spivet es un entretenimiento de calidad para toda la familia; sin alejarse de lo que ha convertido el director de Roainne en lo que Es. Mercie Mounsieur Jeunet.

NOTA: 7

CRÍTICA: ALABAMA MONROE

Si en la reciente " A propósito de Llewyn Davis" las canciones folk saplicaban el film como caja de resonancia de los personajes ocurre lo mismo con el bluegrass en esta Alabama Monroe. Dicha coincidencia es el único punto en común de ambos relatos aunque los dos comparten una visión descorazonadora de la vida; ya que los protagonistas són golpeados en el corazón hasta el paroxismo.

Si en la reciente " A propósito de Llewyn Davis" las canciones folk salpicaban el film como caja de resonancia de los personajes ocurre lo mismo con el bluegrass en esta Alabama Monroe. Dicha coincidencia es el único punto en común de ambos relatos aunque los dos comparten una visión descorazonadora de la vida; ya que los protagonistas son golpeados en el corazón hasta el paroxismo.

Por su parte, Alabama Monroe es la historia de dos padres cantantes de country que un día se enamora, tienen una hija y cuando esta cumple 6 años, le diagnostican un cáncer. Tan duro como eso. Y sin embargo, bajo el punto de vista este cronista, la primera hora de film no puede ser más irregular. Su estructura fragmentada en esta ocasión resta más que suma y la intromisión de los elementos panfletarios, se atojan forzados.

Hay grandes momentos que avecinarán el destino por el que tendrán que recorrer los caracteres pero la desconexión con ellos es preocupante. Y no es de labor de los intérpretes ni los personajes si no un montaje algo caótico y desde mi punto de vista, fallido que prefiere confeccionar instantes de postal ( con toque freak, por supuesto) que secuencias puramente genuinas.

Sin embargo, todos esos escollos se solucionan en una segunda hora fantástica donde el montaje funciona como elemento desengrasador y contraste del presente. El film configura los personajes y sus posiciones morales con sutileza hasta, que sin embargo, estalla en momentos con tesis de manual chirriando la composición como un arañazo en una pizarra. No obstante, un final con tintes psicodélicos y lynchianos hace subir el nivel de este relato sobre pájaros estampados en cristales, pieles marcadas de pintura y sentimiento e identidades que rompen crisálidas.

En el final del camino, nos quedan grabados al fin Elise y Didier pero deambulando en un limbo conglomerado.  Los entregados cuerpos de Veerle Baetens y Johan Heldenbergh que les dan vida o hacen borrar que en el fondo, el film del belga  Felix Van Groeningen, obtiene resultados más cerca de lo óptimo que lo notable.

NOTA: 6,5