ENTREVISTA DE FRANÇOIS OZON: "MIS PELÍCULAS HABLAN MUCHO DE LA IDENTIDAD"

Empezó asesinando a su familia en un cortometraje amateur sin sonido llamado Foto de Familia. El director François Ozon involucró a sus padres y hermanos como actores para mostrar una poderosísima carta de presentación tan perturbadora y personal como acreditadora de una carrera prometedora. A partir de aquí, una trayectoria de un cineasta sin tabús con un mundo personal propio e intransferible cuyo punto álgido fue la Concha de Oro de 2012, una de las más sonadas de los últimos años. Impactó a público y crítica con En la casa, donde realidad y ficción se mezclaban en un contundente relato metalingüístico seguido de Joven y Bonita, la historia de una adolescente empujada irracionalmente a la prostitución.

Ahora es el turno de Mi nueva amiga. El film de Ozon fue presentado en la Sección Oficial del festival donostiarra el año pasado. En esta ocasión, para el equipo enviado a cubrir el Zinemaldia, el placer no fue sólo doble, si no triple. Amén de disfrutar del visionado del film, Facesonthebox tuvo el placer de entrevistar gracias a Golem Distribucion, no sólo al director francés si no a su protagonista Romain Duris, una de las estrellas francesas más importantes de su país; con títulos en su filmografía  tan destacados como La espuma de los días o Populaire. Después de nuestra entrega con el actor francés, es el turno de saber que nos dijo el director del film en cuestión: Monsieur Ozon.

UNA TARDE CON OZON

Delante de varios periodistas, en una terraza del lujoso Hotel Maria Cristina, un elegante Ozon aparece antes nuestros ojos. Transmite distinción, seguridad, y aplomo, pero también complicidad y cercanía. Se le ve muy cómodo promocionando el film. Le preguntamos si dicha tranquilidad se debe a que su anterior visita a la capital de habla euskera se fue con la Concha de Oro. Él nos confiesa lo siguiente: "Bueno, la verdad es que yo cuando voy a San Sebastián nunca pienso en el premio. Eso es lo de menos. Primero, porque es un placer venir porque el festival de San Sebastián tiene un buen público cosa que no ocurre muy a menudo en los grandes festivales. Y segundo porque tengo un buen distribuidor como Golem, que me facilita el acceso a este certamen y también necesita que le apoyen". Así pues, parece que Ozon se siente como en casa en un festival muy afín a su forma de ver las cosas. Y si os preguntáis, de qué forma ve las cosas el cineasta de París, antes de que contéis hasta tres tendréis la respuesta…

NACE LA IDEA

"La idea de la película vino acerca de lo me contó una amiga documentalista que hizo un documental llamado Transgenero, a la cual le pregunté sobre los travestis y porque un travesti quiere vestirse de mujer. Entonces, ella me contó un caso muy curioso. La de un hombre que empezó a vestirse de mujer después de que ésta falleciera. Y lo hacía porque era una forma de devolverla a la vida".

LOS FANTASMAS DE LA MENTE

"A mí lo que me interesan realmente son los fantasmas, pero desde el punto de vista psicológico. No me refiero a los otros fantasmas...eso es lo que yo quería desvelar en la película. También hay que tener en cuenta que la cinta está contada desde el punto de vista de Claire. Y en el film hay dos momentos donde entran esos fantasmas".

 LA IDENTIDAD COMO TEMA COMÚN

"Yo creo que mis películas hablan mucho de la identidad. Y hay muchas formas de identidad. Existe la identidad sexual, social, familiar, política...Y el personaje de David, probablemente, necesita justamente a Virginia para trazar un camino en busca de esa identidad".

 LA COMEDIA DENTRO DEL DRAMA

"Creo que no hay que huir nunca la comedia dentro del drama. Dentro del mayor drama puede haber momentos cómicos. Eso no me parece mal. Al contrario. Además de eso, yo quiero que la película  alcance a muchos espectadores.  Y para eso tiene que ser un entretenimiento. Por eso están esos puntos cómicos. Pero es algo que simplemente surge, nunca es algo intencionado".

ROMAIN DURIS

"Fue un auténtico placer trabajar con él. Porque hace muchos años que él quería trabajar en un papel así. Tenía realmente muchas ganas. Así que le llamé e inmediatamente dijo que sí. Entonces quedamos para hacer diferentes pruebas para el personaje: de vestuario, maquillaje, etc...Y fue realmente allí cuando lo vi. ¡Porque era tal el placer que tenía él de vestirse de mujer!: Ponerse los tacones, las pelucas… ¡Era fantástico! El problema estaba en que en Francia él es un actor muy popular y que el es un poco el emblema del “guaperas” masculino por excelencia. Y además de eso, él es muy peludo. Es por eso que hubo que depilarle, rasurarle,… ¡fue tremendo!…(Risas)".

LA VERDADERA MUJER

"Realmente, la persona que realmente se hace mujer en esta película es Claire. Ella se reconcilia a través de Virginia con su feminidad. Porqué cuando vemos al inicio del film a Claire con el personaje de Laura de pequeña, ella siempre está en las sombras. Una es guapa y rubia y la otra es más bajita y se queda siempre a un segundo plano…Pero Virginia no es realmente una mujer.  De hecho, tampoco es un hombre. Es una criatura porque lo es todo y nada la vez: Mamá, papá,, etc.".

CINE PARA CONCENCIAR

"A mí lo que me interesa es plantear preguntas. No es algo que haga conscientemente. Temas como el travestismo o la prostitución no sólo son temas actuales si no asuntos que a mí me interesan. Así pues, me gusta plantear dilemas y decirle a la gente: Mira, ocurre esto y sucede esto otro…Para que a partir de las cosas que presento en mis films, puedan encontrar cierta lógica".

La entrevista llega a su fin. Realmente uno le da la sensación que podría estar horas hablando con el director francés. Desde aquí, este humilde redactor agradece esos minutos con el director de En la casa. Merci Beaucoup Monsieur Ozon!

ENTREVISTA A ROMAIN DURIS: "TENÍA MUCHAS GANAS DE INTERPRETAR A UNA MUJER"

¿Quién le iba a decir a este hijo de un padre arquitecto y una madre ingeniera, amante de la música y la pintura que acabaría siendo uno de los galanes del cine francés por excelencia? Pero en su juventud, Romain Duris no tenía muy claro quien sería. Dejó la carrera de artes aplicadas en la Universidad para dedicarse a la pintura, pero tampoco eso le duró mucho, como tampoco su rol de batería en un grupo de jazz-funk-rap. Fue Cédric Klapisch, quien a la salida de  un casting le convenció que probara eso de ser actor y lo involucró en sus próximos trabajos. Después de eso, el actor parisino Romain Duris se ha convertido en más que una realidad. Se ha labrado una de las trayectorias mas sólidas de Francia. Su papel en el film de Klapisch, Una casa de locos, lo catapultaría a una fama que ha ido consolidando en films como Arsène Lupin, Las muñecas rusas, Populaire o La Espuma de los días.

Pero ahora, Duris afronta un nuevo reto en su carrera. Su primera colaboración con uno de los maestros actuales del cine francés: François Ozon. En esta ocasión, Duris encarna un papel arriesgado en una comedia llamada Una nueva amiga, que llega a los cines españoles este viernes 15 de mayo.

Si queréis saber más de este film, los seguidores de FacesontheBox estáis de suerte. En San Sebastián, amén de poder visualizar el film, pudimos entrevistar a las dos piedras angulares del proyecto, dos de las figuras más importantes del cine francés actual: El directot François Ozon y el propio Roman Duris. Con la entrevista al actor de Le Divorce empezamos este especial sobre el film que llega a nuestros cines, gracias a Golem Distribución.

Romain Duris transmite serenidad. Parece que las horas de junkets no le afectan. Quizá sabe que, gracias a una de las entrevistas que realizó en su día, está aquí presentando esta cinta. Pero no adelantemos nada. Porque en 3, 2 ,1…él responderá todo acerca de Una nueva amiga.

**Spoiler Alert: Os avisamos que esta entrevista puede revelar algún dato relevante acerca del propio film y de sus personajes. Así que si queréis, podéis ver primero la película y luego adentraros en el contenido de la misma.



 ADIÓS AL GALÁN

"Tenía muchas ganas de interpretar el papel de una mujer. Y François Ozon debió leerlo en alguna revista porque él ya lo sabía. Así que en el momento en que me propuso interpretar este papel, en el cual debía de realizar una transformación radical física, como ya tenía muchas ganas desde antes, le dije inmediatamente que sí. Curiosamente, me di cuenta que muchas de las notas que utilizaba para interpretar personajes viriles como en otras de mis películas, eran exactamente las mismas que el de esta ocasión. Sí, eran las mismas teclas. Sólo que esas mismas teclas había que pulsarlas de forma diferente para obtener el sentimiento femenino"

HUYENDO DE LA PARODIA

"Desde el principio trabajé con un bailarina que fue quien me ayudó en caer en la caricatura o de hacer cosas que no resultaran ridículas. Es cierto que al principio del film, los gestos podrían ser más exagerados. Pero aun así, me di cuenta que si los gestos que hacían no eran encarnados -es decir, que surgieran desde dentro- sí que caerían en la parodia, en la caricatura o simplemente en algo exagerado. Por eso, desde el inicio, al trabajar con ella, me di cuenta cuando era demasiado. Así pues, a partir de ahí lo fuimos limando todo hasta el resultado final".

VERACIDAD

"Lo que sobre todo tiene que haber es autenticidad en el personaje. A partir del momento en que tú tienes confianza y tienes el deseo de convertirte en una mujer, todo sale".

RELACIÓN CON CLAIRE

"Mi relación con el personaje de Claire fue bastante natural y espontánea. Desde el primer momento nos dimos cuenta que con la actriz que interpreta Claire, Anaïs Demoustier, teníamos una conexión muy sencilla entre ambos. Desde el inicio del rodaje, nos hablamos y nos escuchamos. Porque desde el principio del largometraje, los personajes se complementan en muchos casos. Así que eso fue muy importante. Y además de eso, las situaciones presentadas en el guión eran muy claras y eso también facilitó las cosas".

**HISTORIA DE AMOR ATÍPICA

"Siempre pienso que esto es una historia de amor, pero bastante peculiar. Uno empieza desde cero. Aunque ella sí tiene una relación que tiene una correlación con la que ellos dos comparten. Pero es sobre todo una historia de amor que se empieza en secreto y se construye a partir de ese secreto. Y dicho secreto suscita al deseo. Es similar a una historia de amor entre dos amantes. Y este es el primer elemento que origina lo que luego va a venir".

CRÍTICA: MI NUEVA AMIGA

Creo que François Ozon cada vez está más cómodo en su cine. Sus dispares ingredientes cada vez son más compactos. Es muy complicado hablar de los temas  de la forma en que el cineasta parisino lo hace. Una nueva amiga es un buen ejemplo. En ella, la muerte de una mujer desencadena una crisis de identidad de su marido que comienza una extraña relación con la mejor amiga de su mujer. Pero ya podréis imaginar que la cosa no se quedara ahí.

Para contar esta historia, en los primeros compases, Ozon nos sorprende con una introducción digna de su nombre. Como si Ozon se convirtiera en el Peter Docter de Up, nos resume en una sublime secuencia que describe la esencia de vida, concentrada en varios años de la vida de dos seres humanos. Sólo que esta vez es la historia de amistad -amén de romance platónico-lésbico- y un aparentemente  colateral vértice del triángulo ejercido por Romain Duris. A partir de aquí, una vez la introducción acaba en una resolución amarga, seguimos en los ojos de Claire, encarnada por Anaïs Demoustier hacia una vía diferente: La comedia. Este podría ser el devenir de un film que pasa de la carcajada al llanto con un talento asombroso. Y si bien a partir de ahí, Ozon no alcanza la maestría del primer acto, su gran desarrollo de personaje y su control de los instrumentos narrativos (tanto de dirección como un libreto lleno de giros que no traicionan el relato) conforma una magnífica dramedia, que bien podría ser como una versión luminosa de la oscura La piel que habito.

 Y si Ozon demuestra talento, los actores también lo hacen. Sobre todo uno en particular. Magnífica interpretación de Romain Duris en el que quizá es el papel de su carrera. El cambio de registro y su ruptura total con su imagen de galán con este personaje es digno de aplauso. Romain, junto a la química que tiene con el personaje de Anaïs, nos regalan un viaje lleno de contrastes sobre el tema favorito del cineasta: La identidad.

Así pues, Ozon y Duris son las figuras por las que sustenta este film y eso nos trae un film notable, cuya resolución quizá le falta la redondez de la magistral Joven y Bonita- para quien suscribe la mejor cinta de su director-. Pero que confirma a Ozon como uno de los directores europeos con una voz autoral más sólida y notable.

NOTA: 7

CRÍTICA: NEGOCIADOR

Hay películas que escapan ante cualquier análisis crítico ortodoxo. Negociador, de Borja Cobeaga es una de ellas. Tanto que uno debe dejar de lado ciertas “imperfecciones” de la cinta como esa pérdida de fuelle en su segundo mitad, que se agrava más aún con el hecho de que el film sólo dure 80 minutos de metraje. Porque Negociador tiene virtudes tan milagrosas, tales como la de convertir un tema tan delicado y espinoso como el del terrorismo de ETA en un film que, si bien es deliberadamente agridulce, contiene algunos de los gags mas corrosivos de nuestro cine reciente desde...Ocho Apellidos Vascos.

No obstante, las coincidencias junto a los chistes de ikurriñas de la cinta de Martinez Lázaro acaban aquí. Si la cinta protagonizada por Dani Rovira era una rom-com vasca de humor blanc,o pero de herencia puramente hawkasiana (y sí, también del Landismo), el negociador homeless con los rasgos de Ramon Barea alude irremediablemente a Jacques Tati, como demuestra claramente el surrealista pero desterllinante prólogo, digno de entrar en lo mejor del año. Y es que los gags aquí son generosos en ingenio (con algo de mala uva, aunque nunca sin pasarse). Eso a pesar de la austeridad de una puesta en escena que oculta el peliagudo trasfondo que, no solo el realizador donostiarra no oculta, sino que transmite a través de esas imágenes de encuadres casi vacíos de un microcosmos en un hotel aislado del mundo.

Sin duda, Negociador tiene momentos de alto cine pero entonces... ¿Por qué parece un mediometraje alargado y el personaje de Carlos Areces (magnífico cambio de registro por otra parte, aún siendo en su medio habitual, la comedia) parece desaprovechado e insertado forzadamente en la trama? Quizá porque el autor vasco es un especialista en el relato corto y del sketch (su experiencia en el programa de TV Vaya semanita así lo certifica) y después del manifiesto desencanto del director por su anterior film No Controles, ha querido hacer una cinta para bien o para mal, sea suya. "Hice esta película para mí"- dijo el director de Pagafantas- y con esta premisa, en un gesto nada habitual, Cobeaga vuelve al punto cero como quien acaba de salir del huevo y no admite concesiones e ignora de forma deliberada ciertos andamiajes narrativos.

Es por eso que Negociador es una de esas raras avis que se escapa al raciocinio crítico.  No obstante, precisamente eso lo que hará que el juegue a su favor. Porque es una de esas extrañas ocasiones donde un cineasta hace realmente lo que le da la gana. Y particularmente para un servidor, uno de los film más desternillantes y lúcidos de la última cosecha.

NOTA: 7

CRÍTICA: SAMBA

Samba es una buena película. Su metraje pasa en un suspiro, los directores Éric Toledano y Olivier Nakache dejan respirar a los actores en estado de gracia y hace que la interesante historia fluya natural y dramática, pero también por momentos divertida, sin caer en la maldad ni tampoco en la artificio. Pero no, no es Intocable. Y es que aunque es injusto valorar una cinta por la calidad de la anterior de sus responsables, en este caso creo que el resultado es más discreto, pero como he dicho del todo menos desdeñable.

Se trata de una cinta que en tono de comedia dramática (o romántica, ya que está vertebrada en una historia de amor aparentemente imposible), que nos plantea la situación de la inmigración ilegal en Francia a través de los ojos de Samba, encarnado por un gran Omar Sy. Así pues repiten directores y protagonista en una historia que amén de repetir ciertos esquemas de su propuesta anterior se arriesgan por tener ente propio hasta aumentar la dosis de drama y huir del estereotipo o la repetición el rol de Omar, aquí un personaje más introvertido y corriente que el de la film previo de Toledano y Nakache.

El resultado da fe que los cineastas saben llevar el tono a lo largo del film, con una veracidad en la puesta en escena exenta de hipertrofia formal y verbal. Algo que es de agradecer ya que ante intelectuales que creen que representan a la clase obrera con su cine cuando solo se representan a sí mismos, sí podemos decir que el cine de estos cineastas  es mucho más afín a su target y con la honestidad necesaria para este tipo de productos.

Samba la película, sí seria la película que los "Sambas" reales irián a ver y es mucho más probable que se sientan identificados con esa forma de representar su mundo que con la de otros axiomas, que con todo el respecto, creo que caen en saco roto. Es por eso que me resulta algo agrio el desenlace de Samba, quizá el punto mas flaco ante una historia de final complicado dentro de los mecanismos de la feel good movie en los que se mueve. No pasa nada. Ahí esta la pareja atípica de Charlotte Gainsbourg y Omar Sy con una tensión sexual no resuelta muy bien urdida desde el momento en que ella (Servicios Sociales) y Samba (Senegalés sin permiso de trabajo) se ven por primera vez. y, como en toda comedia romántica clásica que se precie, no faltan Tahar Rahim e Izïa Higelin, los secundarios alcahuetes en cada polo del film que amenizan la función y quitan hierro al film.

Una cinta con gags tan inspirados como el momento Coca Cola Light de los limpiacristales, sin duda lo más memorable de un film que nos habla de un mundo tristemente e injustamente divido por ciudadanos de primera o de segunda. Porque todos somos iguales y eso es una de las cosas que nos recuerda con convicción y  una honestidad muy poco común, Samba de Éric Toledano y Olivier Nakache.

NOTA: 7

CRÍTICA: EL AMOR ES EXTRAÑO

Existen aún muchos tabús en el cine. Uno de ellos, es la homosexualidad, cuya temática sigue aún muy anclada en el cine social e independiente y habitualmente tratado de forma estereotipada por el cine mas comercial. Y si ya hablamos ya del colectivo gay de mas de 50 años, parece no existir en la pantalla. Es por eso que " el amor es extraño" (presentada en la Sección de perlas de San Sebastián con una notable acogida del público) intenta hacer un dramedia clásica y amable de un sector tan poco tratado, es un filón mas que reinvidicable.Ira Sachs lo hace en este "El amor es estraño", que aborda de forma ligera la historia de una pareja de homosexuales en la última y atípica etapa de su vida.

El realizador emplea un tono amable, con un exceso de banda sonora, y da la impresión que desaprovecha el material que tiene entre manos sobre todo a su elenco protagonista: Marisa Tomei, John Ligthhow y Alfred Molina. Sin embargo, huye tanto del efectismo y trata de forma tan familiar cuestiones tan interesantes de acercar al mainstream que, sin duda, se merece una oportunidad. Además, el final apunta a que quizá sea la cinta mas de lo que parece y eso es todo un logro.

La historia empieza en la boda de George o Ben, en la representativa isla de Manhattan, una zona en la que ambos se han criado desde que eran realmente pequeños y que ahora ve como se unen en matrimonio tras casi 40 años de vida en común. No obstante, sus planes se verán muy trastocados llegado el momento y su salido del armario pública provocará que George sea despedido de su trabajo. Este contratiempo hace que la pareja crea conveniente marcharse a otro lugar más asequible para sus posibilidades económicas, lo que provoca su separación temporal al tener que mantener su idílica relación desde la distancia. Ben se desplaza hasta Brooklyn para compartir piso con su sobrino Eliot y su familia. Por su lado, George comienza una nueva aventura en lo que a la convivencia se refiere junto con un par de detectives que también se encuentran afrontando un romance algo complicado. 

Sachs filma con tacto un film muy clásico, que intenta evocar espíritu del drama familiar como Yasujirō Ozu, aunque lejos de dichos referentes. Si bien el cineasta de Memphis demuestra un buen gusto por el encuadre, por manejar el subtexto y de algunas decisiones de economia narrativa y poética, envidiable; también creo que su ligereza acaba por limitar la obra. Y es que el director de films como Keep the Lights On, plasma a veces un retrato tan pulcro como superficial que se vanaliza demasiado por dos motivos: El primero radica en su música. Y es que el film pierde el fuelle en cada imagen por culpa de la uso excesivo de banda sonora, demasiado melosa e intrusiva que parece mas propia de la etiqueta de "drama de sobremesa", algo que su dramaturgia mas sutil parece ir por un camino completamente diferente. Y el otro principal escollo del, por otro lado, entretenido film, es que da la impresión que se desaprovecha el material que tiene entre manos sobre todo a su elenco protagonista: Marisa Tomei, Alfred Molina y sobretodo un gran John Ligthow, que se encuentra desubicado en un mundo en el que parece que "no pinta nada".

Sin embargo,  la cinta huye tanto del efectismo y trata de forma tan familiar cuestiones tan interesantes de acercar al mainstream que, sin duda, se merece una oportunidad. Además, el final apunta a que quizá sea la cinta mas de lo que parece y eso es todo un logro. Ya que mas que una cinta sobre dos personajes del mismo sexo, en sus últimos compases se descubre un film mas solapado y aún mas interesante: uno que nos intenta dar una lección de vida al enseñarnos distintos tipos de amor. Un curioso paralelismo con Boyhood, que haria un buen programa doble sobre la importancia de los buenos sentimientos en este viaje apasionante llamado vida.

NOTA: 6

CRÍTICA: LA ENTREGA

Nuestra historia se ubica en Brooklyn. Allí, un solitario camarero (con los rasgos de un Tom Hardy en uno de sus mejores momentos en esto del celuloide) rescata a un cachorro de un cubo de basura. Sus problemas empiezan cuando aparece el dueño del animal, un hombre con problemas mentales que, además, está involucrado en una conspiración criminal que se planea en el bar en el que trabaja el camarero.

Parece hasta obligado recordar el nombre de escritor estadounidense Denis Lehane para realizar una crítica sobre este The drop y sus recientes adaptaciones al cine. Pero este humilde crítico, más allá de hablar sobre las calles estadounidenses, quiere hacerse del eco del cine negro añejo que recoge el debut USA de Michael R.Röskman.

¿Y cuál es ese noir del cuál bebe este "The Drop"? No, el de superdetectives privados como Sam Spade, o el agente de la Continental entre otros. Mas bién, el de historias contenidas, de gente corriente caminando por pasarelas oscuras y filmadas por Fritz Lang o Jules Dassin muy similar al de los "buzones" protagonistas. Aunque esta sea en color y en el nuevo siglo, el director se ha fijado en la meticulosidad de este tipo de cintas en el apartado formal (respaldada por un trabajo notable de Nicolas Karakatsanis) y la forma de mantener la tensión  en su desarrollo dramático.

Sin embargo, su principal escollo se encuentra en la evolución de los roles. Roskman retrata junto una paleta de grandes actores a unos personajes interesantes, pero de exiguo calado, tanto por los clichés del libreto como por el estancamiento emocional.

Sólo hay una excepción clara y por suerte es el protagonista. Tom Hardy hace suya la cinta con el lema: Menos es más. Si con la reciente Locke, nos dejó perplejos por su mimetismo sobresaliente, aquí vuelve a demostrar sus grandes cualidades por lo mínimo. El resto de cast, es decir, Noomi Rapace, Mathias Schoenaerts (ambos en San Sebastián con el director) y el desaparecido James Gandolfini, también está muy bien, aunque él es el caballo vencedor de la carrera, confirmando su enorme proyección.

Por lo demás, un noir acerado muy solvente, cuyas virtudes ya mencionadas elevan el nivel general de un film que pudo ser más, si, pero lo que es ya vale mucho la pena....Eso si, el premio al guión en el certamen donostiarra me parece un tanto excesivo.

NOTA: 6

CRÍTICA: LOREAK

Todo empieza cuando un hecho rompe la cotidianeidad de la vida de Ane. La llegada de un ramo de flores en su casa de forma anónima. Un hecho extraño que empieza repetirse cada semana. Algo que empieza a despertar dudas y conjeturas en su entorno sobre el quién y el porqué. Un inicio fresco e interesante que crea expectativas en el espectador.

Entonces pasamos a la historia de Lourdes y Tere donde unas misteriosas flores también acaban siendo protagonistas de sus vidas. Ahí nos damos cuenta lo que es Loreak: historias humanas donde las flores y su simbolismo en la sociedad son protagonistas. Una buena idea pero con un desarrollo que bajo mi punto de vista se me antoja irregular (lo mejor es la primera media hora y después rara vez alcanza el nivel visto en el inicio).Y es que las conexiones y las actitudes de los personajes me parecen forzadas en ocasiones y demasiado supeditadas a la trama. Algo que también me parece que se traduce a nivel actoral, donde Itziar Aizpuru es lo mejor del elenco; (con un nivel de verismo y emoción como el que exige la historia) pero con otras interpretaciones menos perfiladas en una historia que requiere mucho de los roles/actores.

Lo que creo que no se le puede achacar a Loreak: la forma en el que los directores José María Goenaga  y Jon Garaño, plasman esta historia de mujeres: con tacto y sensibilidad. Unas cualidades que se traducen en una distancia formal tan bella (como ese plano con la cámara situada tras una ventana) como de respeto ante la intimidad de sus personajes. Es el mayor mérito de un film que con sus virtudes y defectos ofrece una interesante reflexión sobre las relaciones entre las personas y de palabras tan olvidadas hoy en día como perdón, gratitud, generosidad....Un film que vale la pena tanto como entregar un ramo de flores a alguien a quien te importe. Tan sencillo y la a vez tan valioso como eso. Así es Loreak.

NOTA: 6

CRÍTICA: LA SAL DE LA TIERRA

Hay veces que en este mundo de eruditos de cartón piedra que nos olvidamos el porqué se hacen las películas: El público. Puede parecer un concepto muy global pero nada más lejos de la realidad. Es el del público no se deja llevar por filias y fobias, que le da igual quien se siente en la silla de director (como mucho, quien se pone delante de la cámara). Llega al cine, escoge la propuesta que más le llama la atención del tríptico publicitario se dispone a ver una historia. Y en este caso, la historia está en formato documental; hecho que no le ha impedido que gane el premio de Mejor película del público en el 62 edición del Zinemaldia, sobrepasando en puntuación a los Relatos Salvajes de Damian Szifrón.

¿Y que tiene esta Sal de la Tierra que ha cautivado al público de la Concha? Un relato humano, cuya existencia, ya merece que se materialice en cinta para que todos la conozcan. Porque ya hace cuarenta años, el fotógrafo Sebastião Salgado que recorre los continentes captando la mutación de la humanidad y que ha sido testigo de los grandes acontecimientos que han marcado nuestra historia reciente: conflictos internacionales, hambruna, éxodos, etc...Un documento impresionante sobre la humanidad con sus luces pero también con sus sombras. Aparte de contarnos la historia de este fotógrafo portugués, poco necesita el film para enganchar. Las fotografías en blanco y negro del portugués ejercen de documento estático pero tan potente que causa fascinación cuando se junta con la voz en off del propio Salgado; que ejerce de figura omnipresente y de ojo de halcón de toda la humanidad. Poco más encontrarán en este documental pero es innegable que el documento gráfico funciona. Porque con ese macguffin, Salgado retratado por Wim Wenders como realizador del relato, nos da una lección de quiénes somos y donde podemos ir para ser mejores, con honestidad y sin maniqueísmo. Y es que a veces, una imagen vale más que sin palabras...La sal de la tierra: Oda a la imagen, una historia que se vende sola y un mensaje que por ser ortodoxo no deja ser necesario. Virtudes más que suficiente que incluso van más allá de lo fílmico...

Pero si uno se cierne a lo puramente cinematográfico, su falta de riesgo a mi me dejo algo insatisfecho. Podría haber dado para mucho más. El discurso todo el mundo se lo compra (otra cosa es que se aplique). Y si uno quiere mostrar información nueva es para sacar conclusiones nuevas, no para obtener los mismos resultados de hasta ahora. Una dicotomía que para mi le impide volar más alto pero cuyo vuelo creo firmemente que vale la pena.

NOTA: 6

CRÍTICA: PABLO ESCOBAR

Cuando Kevin Mac Donald realizó el último rey de Escocia, utilizó la historia ficticia de un médico que se hizo "amigo" del dictador Idi Amin para contarlos la figura de este sanguinario personaje. Andrea Di Stefano utiliza la misma estrategia para hacer la de Escobar. Sin embargo, los resultados son más discretos que los del film que le dio la estatuilla a Forest Whitaker.

Escobar o Paradise Lost tiene algunos problemas que creo que rebajan el nivel que iba tener la propuesta. Primero, porque tal y como ocurría en el referente anterior, el chico joven es el protagonista y no la figura de culto. Y considero que Josh Hutcherson es un actor bastante más limitado por el momento, considerablemente inferior al que James Macvoy en su momento. El segundo es que el film empieza con una ingenua historia de amor, tan llena de clichés tanto formales como de guión que parecen sacadas de una publicidad de una agencia de viajes. Y tercero, porque su análisis general es mucho menos matizado y superficial de lo que en un principio uno querría. El film recuerdo demasiado a otras influencias y su desarrollo previsible durante buena parte del film tampoco lo ayuda.

¿Y qué decir de Benicio del Toro? Es lo mejor de la propuesta junto a su esbirro interpretado por Carlos Bardem. Es cuando el film les da cancha que el film sube. En el caso del mejicano que interpreta al personaje central se trata de una mezcla de Vito Corleone y activista social con doble moral familio-religiosa de una pieza. Metáforas tan elementales como la que usa su personaje para auto justificarse que parecen muy inocentes.

Justamente ese acercamiento que mezcla géneros mainstream de forma naif acaba siendo justamente el gran aliciente de la película, junto con los actores anteriormente mencionados (y el “duende” de Claudia Triasac, claro). Y además, es en su segunda mitad donde Escobar abraza el thriller de acción donde se vuelve más entretenida y las palomitas sabrán mejor. Pero bueno, lo que si les puedo decir es que Escobar es un aceptable entretenimiento ideal para fans del Peeta de los Juegos del Hambre y el actor latino mas oscarizado de la historia. Y también, en el fondo, el eco de una tragedia real que espero que gracias a sus formas amenas mainstream, haga recordar a los espectadores que hechos como los acontecidos en Colombia no pueden volver a suceder.

NOTA: 5

ENTREVISTA CARLOS VERMUT: "ES NUESTRA RESPONSABILIDAD HACER BUENAS HISTORIAS QUE INTERESEN AL PÚBLICO ESPAÑOL"

Conversar con Carlos Vermut antes de ganar la Concha de Oro por Magical Girl fue un auténtico placer. Está claro que este dibujante de cómics reconvertido a cineasta, que debutó hace unos años con Diamond Flash, tiene las ideas muy claras en cuanto a la dirección que ha de seguir, no sólo en su carrera, sino la orientación que ha de tomar el cine español para obtener el respaldo del público. 

De todos estos temas y muchos más, nos habla el flamante Ganador de la Concha de Oro a la mejor película y de la Concha de Plata al mejor director. Simple, llano y cercano, Vermut sabe dónde quiere llegar y cómo conseguirlo. Ahora, antes de estrenarse el 17 de octubre, Magical Girl se ha podido ver también en el Festival de Sitges.

Vermut nos cuenta que, desde su infancia amaba al cine, pero "no fue hasta 2008 en que me compré una cámara de vídeo y empecé a grabar a mis amigos y hermanos. Quería hacer cortos y acabé grabando Diamond Flash". "Todo lo que aprendí con Diamond Flash, lo he aplicado en Magical Girl, en la que he contado con un equipo más grande de 25 personas". ¿Es Magical Girl una película sobrenatural? "No trata sobre lo metafísico, sino sobre los misterios del ser humano. Utilizo la cotidianidad para hablar de lo extraño. Además de lo sobrenatural se habla de las casualidades, de los símbolos y del destino"

Asimismo la película trata de fondo sobre "ese sentimiento de culpa que tenemos en España. No sabemos salir de noche y levantarnos de puta madre a la mañana siguiente. No sabemos combinar la fiesta con las ganas de trabajar", nos confesó un risueño Vermut.

En una propuesta de cine negro como ésta, de estructura narrativa sencilla, es inevitable querer conocer las influencias del director: "Me gusta el patetismo, lo luminoso y oscuro de los hermanos Coen; el humor violento de Tarantino y, sobre todo, el cine de Melville y su Círculo Rojo, así como estoy influenciado por la literatura de misterio japonesa".

CINE NEGRO ESPAÑOL

Hablando del triunfo del cine de género en España, cree que se debe a que "son historias que conectan con el público. Todos queremos emocionarnos y que nos conmuevan como espectadores porque bastante jodida es la realidad para encima verla reflejada en una pantalla. Ahora con películas como El Niño, La isla mínima y Magical Girl hacemos cine negro ubicado en realidades reconocibles y el público responde yendo a verlas al cine. Es nuestra responsabilidad hacer buenas historias que interesen a la gente y así contar con el respaldo de un mayor número de espectadores". Mi objetivo no es contar con "un gran presupuesto, sino uno ajustado a la historia que quiero contar. Mi deber es el de contar buenas historias que atraigan al público".

Y esto, con Magical Girl, lo ha logrado con creces. "Competir en San Sebastián por la Concha es alucinante", nos confesó. Cuando conversó con Facesonthebox en Zinemaldia aún no sabía el gran triunfo que le aguardaba. Ahora sólo falta, como él dice, contar con el respaldo del público. Pasad y dejaros trasportar por el universo fascinante de Carlos Vermut, un sencillo y amable dibujante de cómics que soñaba con ser director de cine y lo logró.

REALIZACIÓN: JOAN BOTER/EDICIÓN: SONIA BARROSO.-

CRÍTICA: BLACK COAL

Vaya por delante una imagen para el recuerdo: La visión subjetiva de un coche atravesando un fantasmagórico túnel nocturno traspasa el tiempo y la materia; convirtiéndose en la mirada de una motocicleta en un futuro cubierto de nieve inerte. Ésto es sólo la punta del iceberg del derroche visual que despliega Black Coal, película del cineasta chino Yinan Diao, quien es capaz de mostrar una realidad soslayada pero presente, de forma de que los interesados en callar la verdad, no se den cuenta de ello y todos salgamos ganando.

Yinan Diao emerge como una figura autoral con voz y sello propio para contarnos la siguiente historia: En 1999, el policía Zhang Zili abandona el cuerpo tras la traumática muerte de dos de sus compañeros durante la investigación de un asesinato finalmente no resuelto. Cinco años después, el asesino vuelve a la carga, y Zhang, convertido ahora en un guardia de seguridad con problemas de alcoholismo, se plantea intentar capturarlo por su cuenta. Un estilo donde David Lynch y Wong Kar wai se dan de la mano en un espectáculo de luces tan coloridas como gélidas, igual que los seres sin alma que poblan el film.

Ya desde el minuto uno, en esa escena de dormitorio que Dinan Yao plasma por encima del alambre, el rol de Liao Fan ya se rebela como un ser de instintos salvajes, cuyo caso truncado le convierte mas aún en una criatura autocaníbal. Un yonki emocional que encontrará su propia droga en el el halo de candidez de Kwai Lun-Mei, que también igual que Zhang esta rota por dentro, puede entender dicha podedumbre.

Así pues, la cinta ganadora del Oso de Oro en la pasada Berlinale es una historia criminal fascinante e hipnótica y envolvente. Con sus sugerencias visuales, el film es algo más que un noir clásico con marcado sello autoral. Si bien se le puede de acusar de cierta pomposidad en el ritmo (en su segundo mitad su excesivo onirismo le hace perder fuelle) su apartado visual y ese subtexto valiente y milagroso, la convierten en una rareza necesaria que fascinará tanto a aquellos amantes del cine asiático con charm como a los admiradores del cine negro contemporáneo de qualité.

NOTA: 7

DIAO YINAN: "LA INDUSTRIALIZACIÓN DEL CINE CHINO TIENE MÁS VENTAJAS QUE INCONVENIENTES"

Diao Yinan es un director cercano y amable, a pesar de haber realizado una película tan notable como Black Coal y haberse convertido, por méritos propios, en uno de los realizadores más interesantes del panorama asiático y, por ende, internacional. Nos recibió cálido durante el pasado festival de San Sebastián, en una entrevista donde nos habló de sus orígenes como cineasta, de la industria cinematográfica china y, cómo no, del film que le valió el Oso de Oro en la Berlinale.

El director nos explicó sus orígenes en el mundillo del cine, concretamente en la Academia de Pekín: "En principio escribía guiones -como el de The Shower, por el que vine a Donostia hace ya unos años-, pero pronto me dí cuenta que quería tener el control sobre lo que escribía y que no me lo cambiase todo el director, creo que fue así como me convertí en cineasta y empecé a filmar mis propios guiones". Asimismo, también nos habló de la libertad que le permite el cine frente al teatro "he trabajado con actores reales en teatro pero el cine te da más libertad, pues tras hacer la película siempre puedes sacar más material (DVD, etc)".

UNA CIUDAD FRÍA Y MISTERIOSA

Ya centrados en la película Black Coal, Yinan nunca se hubiese imaginado que ganase el Oso de Oro, "a pesar que mucha gente me dijo que tenía posibilidades". ¿Cómo se le ocurrió adaptar el relato Wakefield, de Nathaniel Hawthorne?, le preguntamos. "me gustó mucho la naturalidad de la novela que trata sobre el problema de un hombre que se aleja del lugar dónde está. Era tan sencilla y tan natural la forma de expresarla que me enamoré ese relato y quise hacer una película". El problema estribó en conseguir financiación para este proyecto. Una vez hecha, uno de los elementos importantes es "esa ciudad pequeña de provincias, colorista y con mucha iluminación, pero a la vez, fría y misteriosa como esos colores de ojos que miran pero no transmiten nada", una ciudad que se convierte en el film en un personaje más de la cinta.

Estábamos intrigados de dónde proviene esa imaginería tan especial (como la imagen de unas manos en el carbón) y el director chino no nos lo acabó de desvelar del todo, aunque nos diera pistas: "son imágenes que desde mi infancia y, a lo largo de mi vida, me han quedado grabadas y que, al hacer un film, aparecen en un determinado momento". También quedamos fascinados de las cualidades de su actor fetiche, Liao Fan. "Somos muy buenos amigos y tenemos mucha afinidad. Además, su aspecto físico algo tosco me daba mucho juego para su papel", afirmó Yinan sonriente.

LA INDUSTRIA CHINA

También quisimos saber su opinión acerca de la industria cinematográfica china que se está convirtiendo, por méritos propios, en una potencia de primer orden en el mundo del séptimo arte: "Hay dos aspectos que rigen nuestra industria: más financiación y la participación de inversores extranjeros. Esta tendencia comercializadora puede hacer que los directores se dejen llevar por un cine más comercial o por seguir haciendo cine de autor. En este aspecto, a la industrialización del cine chino yo le veo más ventajas que inconvenientes: Pues si los directores de esta industria china pueden ser fieles a sus principios y, al mismo tiempo, evolucionar y aprender de las corrientes externas.
Además, me resulta difícil hablar de unas características propias y genéricas del cine asiático, quizás en un futuro próximo y con el aumento de la producción, quizás podamos sacar unos rasgos comunes".

REALIZACIÓN: JOAN BOTER ARJONA/EDICIÓN: SONIA BARROSO

DIA 9: CRONICA FINAL Y PALMARÉS DE SAN SEBASTIÁN

Llegó el último día. En la sala de prensa se respiraba un ambiente especial, diferente al año anterior. Una vez dado el Palmarés, uno es consciente que va a ser uno de los que mas se va  a recordar. No sólo por el marcado sabor español del mismo. Si no por señalar con el dedo la incipiente carrera de un cineasta de futuro: Carlos Vermut. Todo apunta que el realizador de Diamond Flash, tiene un interesante mundo a descubrir. Veremos. Porque tras su ópera prima, Magical Girl se ha llevado el premio a la mejor película y dirección. Era la apuesta de este cronista y, para mí este año, el reparto de premios no podía ser más justo.

La isla mínima, amén del Premio Feroz de la crítica, ha recibido dos importantes galardones. No había duda que la fotografía de Alex Catalán era la que más había impresionado de la Sección Oficial. Y que, de los dos policías de la cinta, el rol más jugoso era el de Javier Gutiérrez, hecho que el actor aprovecha gracias a su talento. Grandes premios para la nueva cinta de uno de nuestros de nuestro cine: Alberto Rodriguez. ¿Qué decir de La Isla Mínima? Que si no la han visto, urge ir a verla...

Del mismo modo os remito al premio del guión que se lo ha llevado The Drop. Buen libreto de Dennis Lehane, escritor de Mystic River. Quizá para mi, no muy espectacular, pero viendo la sección oficial, The drop merecia un reconocimiento. Eso sí, no todo encaja en nuestras preferencias. La "intrusa" en el palmarés es El Premio Especial del Jurado de Wild Life, que deja de vacío a Edén, de Mia Hansen Love. Pero ni en nuestros mejores sueños hubieramos pensado un Palmarés tan cercano a nuestro gusto...

Y con esto, cerramos las crónicas de un festival que ha premiado La sal de la tierra, de Wim Wenders como mejor cinta del público, Relatos Salvajes como mejor cinta europea del público y Güeros, la revelación en Berlín que se lleva a Méjico el mérito de ganar la sección Horizontes Latinos y el Premio del Jurado Joven.

Más contentos no podemos estar. Más exhaustos tampoco. No me extenderé con la poesía. Sólo os diré que si quieren mas sobre el ganador de la Concha de Plata al mejor director y Concha de Oro a la mejor película, os remito a la entrevista de Facesonthebox publicará en breve, así como al resto de crónicas del festival. Un año que ha sido punto de encuentro tanto de cinéfilos como gente de la industria (ojo al acuerdo de Europa con Latinoamerica que se presentó ayer y apunta a una buena garantia de inversión) y que eclosionan en un festival espectacular lleno de pantallas que sólo producen gracias. Del mismo modo que yo os deseo a todos vosotros, lectores de estas crónicas. Mil gracias y...agur!

DIA 8: ESCOBAR- EL CUENTO DE LA PRINCESA KAGUYA- SAMBA

Es momento de reflexionar. Si bien es cierto que cada uno tiene sus gustos personales y que es muy lícito que aquello no es bueno para uno puede serlo para otro, la opinión general está bastante de acuerdo en su valoración de los últimos coletazos del festival: Paupérrima. La mayoría de los títulos no han convencido al igual que este cronista que siente que, salvo contadas excepciones, lo último que se nos ofrece es la cola del pescado.
                         
Como Escobar: Paradise Lost, una extraña mezcla de La playa y El Último rey de Escocia, con Josh Hutcherson de protagonista; Aunque nos quieran vender que el protagonista es Benicio del Toro, cuyo personaje da nombre al film. El Peeta de los Juegos del Hambre siguen sin convencerme como actor y Benicio del Toro no salva un personaje plano, al inicio interesante, pero sin desarrollo posterior. Ni siquiera la segunda hora del film, la de la acción,  entretiene por culpa de un Josh Hutcherson, quien considero que no da la talla en ningún momento.
                   
El cierre de la Sección Oficial tiene algún momento rescatable en su parte final pero también me ha aburrido, sobretodo en su primer segmento. Es mi valoración de Wild Life, otra cinta de poco calado con la que cerramos dicha sección.

Habiendo visto casi toda la sección oficial, vamos a hacer nuestra particular "porra": Deseo que Magical Girl o Edén se lleven el premio gordo, sobre todo la primera. De justicia sería el premio a mejor actor para Romain Duris o como mucho, Tom Hardy. Y la actriz este año, mis favoritas son Bárbara Lennie o la actriz de Félix and Meira, Hadas Yaron. Veremos.

No obstante, terminamos el certamen con un gran sabor de boca. Con la excelencia de El Cuento de la Princesa Kaguya, donde el Studio Ghibli se despide del cine abrazando a Mizoguchi. A pesar de su duración de casi 2 h y 20 min, la cinta toca la fibra contándonos la triste historia que sale de una caña de bambú. Y hasta aquí puedo contar...Maravillosa.

Menos contentos aunque muy satisfechos con Samba, de Éric Toledano y Olivier Nakache, los directores de Intocable. El tándem en la dirección vuelve a la fórmula aunque con algunas variaciones: mas drama, un Omar Sy más comedido y un final no tan bien atado como su precedente. No obstante, el film es una agradable e interesante reflexión sobre la inmigración de las que hacen falta. Y tranquilos, los puntazos cómicos siguen siendo generosos...

Y con este último apunte, esperamos el veredicto de mañana. Ojalá nos convenza más el Palmarés que el año pasado..

DIA 7: LASA Y ZABALA- RELATOS SALVAJES- MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES

Empezamos el día con una cinta fuera de concurso. Se llama Lasa y Zabala y está basado en el primer acto terrorista realizado por los Grupos Antiterroristas de Liberación (GAL). Como esto es una web de cine, me voy a limitar a juzgar la cinta desde el punto de vista cinematográfico que no ideológico. En este caso, se trata de un telefilm panfletario mal interpretado, con buena factura, pero una dirección de actores muy floja y toda la galería de clichés que se puedan imaginar. El film se ha ganado los aplausos del público de Donostia pero todo apunta a que dicha reacción se debe más a los aficionados políticas/sentimentales de los presentes que a su valor como película.

Mucho mejor ha sido la comedia salvaje y catártica de Relatos Salvajes: Una serie de historias cortas con la violencia y el humor negro como nexo común (y quizá algo más) que ha hecho estallar en carcajadas el público del Victoria Eugenia. La cinta es la que más ha creado consenso positivo en Perlas. Sus armas son: Ese humor corrosivo, su brillante elenco, la construcción del guion ejemplar y el montaje envidiable, y, además, reúne una característica inesperada para este cronista: Cierta melancolía por ver la situación desesperada de hoy en día; aunque el desenlace apunte sabiamente a la esperanza.

Aunque el gran evento del día ha sido la rueda de prensa de la propia cinta. De izquierda a derecha teníamos sentados ante nuestros ojos a…Leonardo Sbaraglia, Ricardo Darín, Damián Szifrón, y a los productores Pedro y Agustín Almodóvar. Y justamente ha sido el director de Átame el que ha inaugurado esta rueda de prensa ganándose a los periodistas con su espontaneidad. El realizador manchego que volvía a Donostia 35 años después de presentar Pepi, Luci y Bom ha confesado que se identificó con todos los personajes del guion “aunque nunca ha sido la novia de ninguna boda”. Por su parte, Ricardo Darín ha piropeado el trabajo de Leonardo Sbaraglia al calificarlo como “el mejor trabajo de un actor masculino en años”. El día empezó  con sonrojo y considero que acaba igual o peor.

Desgraciadamente Murieron por encima de sus posibilidades me parece un despróposito inaudito. Me quedaría corto si dijera que es una comedia zafia sin gracia, coherencia y mal interpretada. Así mejor no se la recomiendo y pasemos un tupido velo. Pésima jornada. Solo Relatos ha "salvado" el peor dia del Zinemaldia de largo. Así que esperemos que el segundo premio Donostia, Benicio del Toro, nos devuelva la confianza en lo que nos depara el resto de festival. Agur.

DIA 6: EDEN- FÉLIX Y MEIRA- TOTO Y SUS HERMANOS- GÜEROS- MAGICAL GIRL

Después de las decepciones del día anterior, esperábamos que los astros se alinearan para ofrecernos mejor cine. Lo han hecho aunque han dado tanto cal como arena. Han empezado a primerísima hora de la mañana con Edén, de Mia Hansen-Løve. La directora francesa nos muestra el auge y caída de la música garage a través del personaje de Paul quien, junto a su mejor amigo, crea un dúo llamado Cheers y ambos se convierten en disc-jockeys de éxito. La francesa plantea dos horas y diez minutos en un estado de lucidez visual y expositiva pero a través de un tono aséptico, como si el efecto narcótico que produce la música (y las drogas que se consumen) se trasladara a la narración. En la cinta hay mil y una secuencias de rave pero todas limpias, sin subrayados y con un uso del paneo, las imágenes desenfocadas o la iluminación de este tipo de eventos de una belleza embriagadora; (nunca mejor dicho). Quizá los únicos subrayados se deban a la parte final del guion dónde recurre a algunos tópicos vistos en otras revisiones de caídas de mitos y unos minutos de más en la decadencia de ese hombre; que prioriza las camisetas caras a el agua caliente porque lo primero “no es esencial”. Pero aun así la narración sedativa no se pierde en un solo momento. La verdad es que con su propuesta, Hansen-Løve, puede rascar premio gordo en el palmarés….

Más decepcionado he terminado con Félix y Meira. Reconozco que hasta la parte final, la cinta, aun con un ritmo algo pomposo y su ética pulcritud me tenía bastante engañado. La historia no puede ser más seductora. La película se centra en la relación entre Félix (Martin Dubreuil), un joven solitario perteneciente a una familia adinerada que no se habla con su padre desde hace diez años, y Meira, la joven esposa de un rabino que se siente ahogada por las estrictas normas de la comunidad a la que pertenece. Lo que parecía la historia de una mujer que se abre el mundo tras una sociedad injustamente opresora, sin revelar nada del desenlace, acaba revelando otras cartas con mensaje mucho más conservador: Una filosofía que no puedo comprar por nada del mundo y que me derrumban de un plumazo, la que era hasta entonces, una meticulosa cinta con una gran Hadas Yaron como Meira. Su premio en Toronto me confirma que este año en Canadá, sus gustos no coincidían mucho con los míos.

“Vendrán los nuevos directores a volver a encauzar las cosas” pensé ingenuamente al terminar la proyección. Probamos suerte con una cinta rumana: Toto y sus Hermanos.  Dicho film nos cuenta la historia familiar de Toto, un niño de 10 años, y sus hermanas Ana, de 17, y Andrea, de 15 que tienen que sobrevivir en un barrio pobre y dominado por la droga, mientras su hermano está en la cárcel. Toto es un personaje adorable pero la indefinición narrativa de la cinta, la discreción actoral de sus intérpretes y su desarrollo plano y sin substancian hace naufragar el conjunto. Lástima.

Así que era el turno de Güeros, esa cinta mejicana dirigida por Alom que se convirtió en una de las sorpresas de Berlín del año pasado. No es para menos. Porque esta road movie por Méjico en busca de un cantante que según cuenta la leyenda hizo llorar a Bob Dylan, es un portento visual, sensitivo, narrativo y humano. Tiene todo lo que una cinta eterna debe de tener como personajes inolvidables como el Sombra o su hermano pequeño Tomás. La ovación de 5 minutos al iniciar la proyección demuestra el impacto de la cinta ante los asistentes del Kursaal 2.

Y terminamos con Magical Girl. Si nadie lo remedia (estamos ya a miércoles, señores) la cinta de la sección oficial este año. Después de Diamond Flash, Carlos Vermut usa los mismos elementos de su predecesora y potencia sus puntos más vulnerables de su ópera prima, para hacer una obra tan extraña y abstracta como hipnótica. Por no hablar del nivel actoral de sobresaliente. Grandes Barbara Lennie y Jose Sacristán así como Luis Bermejo que encarna al personaje detonante de la trama: Un profesor de literatura en paro, trata de hacer realidad el último deseo de su hija Alicia, una niña de 12 años, que padece un cáncer terminal: tener el vestido oficial de la serie japonesa de dibujos animados "Magical Girl Yukiko". A partir de aquí, déjense llevar por la gran revelación de nuestro cine: Carlos Vermut y su cine heredero de David Lynch.

Por cierto, la prensa de Madrid y Barcelona que ya la ha visto en pase previo opina que lo mejor está por llegar: Concretamente en la sección de Perlas: Relatos Salvajes llega hoy jueves con ganas de arrasar este festival. Veremos si es verdad. Así que seguiremos informando.

DIA 5: LA VOZ EN OFF- LOVE IS STRANGE- CÉSAR CHÁVEZ- LA SAL DE LA TIERRA- AIRE LIBRE

Cumplido el ecuador del certamen, si a mí me tuvieran que decir cuál es la palabra que tuviera que definir este Zinemaldia, la palabra sería…descompensado. Tanto por la distribución en la programación de las películas como por las cintas en sí; que navegan entre partes muy buenas y otras no tanto, dejándolas mas cercas de la tierra de nadie que la excelencia. Hoy sin ir más lejos siguen las cintas suaves que contrastan con la oscuridad y densidad de los primeros días. Además, hoy ha sido el día del cine latino en sección oficial y el día más flojo de lo que llevamos de festival con mucha diferencia.

La Voz en Off es una dramedia familiar que va de menos a más con algunos hallazgos cómicos, pero con un conjunto bastante intrascendente y olvidable. El film cuenta la historia de Sofía, una mujer vegetariana de 35 años que busca tener una vida tranquila tras su reciente separación pero su familia no se lo pondrá fácil; sobre todo sus padres que deciden separarse después de casi cuatro lustros de matrimonio. Lo más destacable quizá sea el hijo de la protagonista que rivalizaría muy seriamente con Luke Dunphy en lo referente a la estulticia. Respecto a Sofía, me resulta imposible enfatizar con un personaje que defiende una filosofía que difícilmente comparto de la forma en que se manifiesta en esta cinta chilena. Así pues, un inicio bastante descafeinado para un servidor.

Mejor ha sido sobre todo gracias a un final extraño dentro de su convencionalidad, Love Is Strange en la sección de Perlas. Una cinta de Ira Sach que aborda de forma ligera también en dramedia, la historia de una pareja de homosexuales en la última y atípica etapa de su vida. El realizador emplea un tono amable, con un exceso de banda sonora, y da la impresión que desaprovecha el material que tiene entre manos sobre todo a su elenco protagonista: Marisa Tomei, John Ligthhow y Alfred Molina. Sin embargo, huye tanto del efectismo y trata de forma tan familiar cuestiones tan interesantes de acercar al mainstream que, sin duda, se merece una oportunidad. Además, el final apunta a que quizá sea la cinta mas de lo que parece y eso es todo un logro.

Por cierto… ¿Nadie me pregunta quién gana la sección de Perlas? Pues las dos más votadas son el documental La Sal de la Tierra y la cinta de Diego Luna, César Chávez. La primera es un documental sobre el fotógrafo portugués Sebastián Salgado donde Wim Wenders confía en la fuerza de las imágenes en blanco y negro de Salgado para urdir una reflexión sobre la raza humana; poniendo énfasis en las zonas mas pobres del planeta. Las imágenes y el discurso son poderosas ,sin duda, pero me da la impresión de estar viendo un reportaje de Unicef de casi 2 horas, que tampoco permanecerá en mi memoria mucho tiempo como cinta. La segunda Perla mas votada se trata de una cinta tan entretenida como plana y superficial donde lo mejor es John Malkovich a pesar del poco material que tiene el actor para dejar huella. La verdad es que el actor de “ Las amistades peligrosas” bien podría venir con cintas con más lustre en este certamen, la verdad, pero aún así si el barco se hunde no es precisamente por su performance. Él sí que realiza un buen trabajo actoral cosa que no puede decirse del protagonista de César Chávez, un anodino Michael Peña que encarna al protagonista de ese personaje histórico: Un líder campesino activista en favor de los derechos civiles para campesinos estadounidenses.

Y seguimos con otra cinta de habla latina. La de Sección Oficial...Aire Libre. El "argumento" del film es el siguiente: El matrimonio de Lucía y Manuel tiene un hijo. Pero a ambos les cuesta encontrar deseos en común. Sólo creen compartir un sueño: La construcción de una casa con jardín fuera de la ciudad. Y esta es el planteamiento de Aire Libre con la primera cinta de Leonardo Sbaraglia en el festival (la siguiente será Relatos Salvajes el jueves). Esperando la casa de sus sueños nace este propuesta. Mientras, asistimos a una cinta que se ha ganado abucheos al finalizar la proyección. Particularmente, solo me ha proporcionado aburrimiento, algo bastante compartido por la crítica asistente al pase de prensa. En fin, que esperemos que mañana sea mejor. Muy difícil no será.

CRÍTICA: EL PROTECTOR

Hubo quien la miró con gafas de pasta en la Sección Oficial del 62ª Zinemaldia y la acribilló simplemente por su forma de ser. No fue el público vista su reacción en el Kursaal. No voy a ser yo quien reproche los criterios de cada uno pero es una lástima que los prejuicios impiden ver el bosque; cuando en este caso, está plagado de un sentido cinematográfico tan genuino. Porque para el firmante, The Equalizer no sólo es una buena cinta de acción, sino una de las obras mejor filmadas en Estados Unidos del subgénero en los últimos años.

El secreto: Dos nombres clave. El primero es Antoine Fuqua. Y es que cuando es la hora de filmar acción contemporánea (su paso por El rey Arturo pese a tener algún buen momento fue bastante prescindible), sabe que no tiene que lucirse para demostrar galones. Basta con ponerse al servicio de la historia. ¿Qué hay que filmar una secuencia en diferentes ángulos para conformar la sensación de espacio a la escena? Se hace. Así se crea atmósfera, previa a la acción que de eso la cinta sabe un rato. ¿Qué tiene que mostrar la violencia brutal, al puro estilo surcoreano? No se escatiman gastos. ¿Qué, como decía Howard Hawks, sólo hay que usar esa violencia en determinados momentos para que no se resienta el conjunto? Dicho y hecho.

No en vano, la sempiterna historia del justiciero que encarna Denzel Washington tiene mucho de western, pero parece que en estos días el working class hero da urticaria. Más si el protagonista de Training Day nos presenta, de nuevo, a un héroe entre gurú espiritual y castigador impacable. ¿Algo chirría? Nada más lejos de la realidad. Es justamente esa dicotomía tan fácilmente autoparódica, pero a la vez tratada de forma tan seria (filmada por Denzel como sólo él podría hacerlo, a su imagen y semejanza) lo que hace que al menos para un servidor, el invento funcione a las mil maravillas.

Hay mucho de cine clásico en esta destilación de los códigos narrativos, filmadas por un señor que se crió en el mundo del videoclip, pero ha sabido amoldarse al medio sin tener que recurrir a la pirotecnia visual gratuita. Incluso los momentos más “artificiosos” están medidos. Pero si el contenido les sigue sonando con un arañazo en la pizarra no voy a ser yo quien les empuje a la sala. Pero si se ponen el chip del consumidor de VHS de los blockbusters de los 90 o parientes similares, es probable que la disfruten tanto como yo. Si lo hacen, sean bienvenidos al show de Denzel Washington y del buen cine de acción sin paliativos.

NOTA. 8,5

DIA 4: PHOENIX- HAEMOO- NEGOCIADOR- LA DESAPARICIÓN DE ELEANOR RIGBY

Vamos mejorando respecto a las decepciones de la noche del domingo. Aunque esa mejoría no implica el tiempo que se convierte definitivamente en el típico día gris Donostiarra. Pero dejemos de hablar de meteorología porque es el turno de la favorita de la crítica en Toronto: Phoenix, de Christian Petzold. Un apelativo que al acabar la cinta aún me deja estupefacto. Muy justita me parece. Tono y puesta en escena cuidada con mimo, pero incompatible con una historia forzada, carente de conflicto e inverosímil. Parece ser que dicha incredulidad es buscada para ser una metáfora sobre el Holocausto. Pero excusas aparte, no compro una historia rebuscada, que sin ir mas lejos, Ozon la hubiera hecho de maravilla. Eso sí, las escenas en el local que da nombre la peli y su gran final, salvan un producto, que no creo que recuerde con claridad en unos días.

A Haemoo le pasa casi lo opuesto a Phoenix. Los 20 minutos finales pierden mucho fuelle del que era hasta ese instante un magnífico thriller marítimo surcoreano, que empieza casi como una feel good movie para entrar luego entre tinieblas. Y es que el último acto se destapan los clichés, como unos violines demasiado líricos que rompen la coherente evolución del tono. No obstante, la ópera prima de Shung Bo Shim, guionista de Memories of Murder, me ha convencido bastante. Seguiremos sus pasos como realizador.

Y para después de comer lo mejor es reír un buen rato en la sección Zabaltegi. Y así lo hemos hecho con Negociador, una comedia agridulce nacida de la pluma de Borja Cobeaga. Porque tal y como ha demostrado el guionista de Ocho Apellidos Vascos, sabe arrancar carcajadas al respetable con una efectividad tan simple como pasmosa. El tema de la negociación etarra quizá tire para atrás, porque aunque el libreto se confeccionara a la vez que el macro-éxito de Martinez Lázaro, son cintas distintas. 80 minutos que pasan en un chasquido aunque el film pierde algo de fuerza en la segunda mitad y desaprovecha el rol de Carlos Areces. Pero aún así, los gags siguen apuntando hacia la misma dirección: El diálogo. Bravo Cobeaga.

Y seguimos con cine vasco. Porque en sección oficial se ha presentado una cinta en euskera:  Loreak, de Jon garaño y José Mari Goenaga. Esta cinta me ha parecido como una carretera  sinuosa con buenos momentos pero otros que la cinta se pierde en la morosidad, alargando la acción y el metraje de forma innecesaria. Correcta pero a ratos aburrida y mas cerca de la indiferencia que otra cosa...
Mejor ha sido La Desaparición de Eleanor Rigby. A pesar de su discutido montaje, el aspecto más flojo y, conociendo las circunstancias en que se llevó a cabo, con las tijeras de los todopoderosos hermanos Weinstein de por medio, casi un insulto para su director Ned Benson. Pero el film, dentro de la mezcla indiscriminada de fotogramas de una cinta que nace de una duología fusionada al antojo por su productor, es bastante coherente , al menos para servidor. Aunque ya hablaremos de forma más amplia, próximamente. Porque ahora toca caer a los brazos de Morfeo...