CRÖNICA AFF: MARAVILLA DE SINGAPUR

Siguiendo la estela en la que por ejemplo, marcó la sección oficial del Zinemaldia del año pasado, el cine sudamericano está presente con fuerza en la sección oficial del Atlántida Film Festival. Por eso hemos decidido desentrañar una propuesta de dicha procedencia, que ha resultado ser la más críptica que hemos degustado hasta ahora del catálogo. Su nombre es Noche y nos relata la historia de un grupo de amigos escuchando en el paraje natural de Dos Ríos, las grabaciones previas al suicidio de uno de ellos.

Y lo primero que tenemos que decir de Noche, se basa sobre todo en el sonido como elemento atmosférico. La imagen como plano secuencia estático, transiciones hipnóticas y poesía simbólica onírica. Sin duda, la cinta argentina no es para todos los gustos. Aunque a veces, se hace algo más tangible, el film quiere huir de las convenciones narrativas y aniquilarlas. Se beneficia, sin embargo de unos personajes bien definidos (o casi todos) a pesar de su surrealismo existencialista extremo para "enganchar" al espectador. Por mi parte me costó horrores entrar pero acabé accediendo. Y aunque me irritó a ratos, en otros me fascinó, amén de descubrir a Flavia Noguera; sin duda, la revelación de la cinta.  En definitivo, un experimento pasable apto para los amantes del cine que rompen radicalmente convenciones de cualquier tipo.

Otra de los caracteres predominantes de las cintas partícipes a concurso es que son de nuestros días. Como la ópera prima de Diego Llorente, Estos días. El cineasta de La Pola (Asturias) se pasa al largo después de triunfar con su cortometraje "Casa" para contarnos en 60 minutos, una historia en estos tiempos de crisis. Y es que tal como su título indica “ Estos días” es una historia de nuestro tiempo; un pequeño relato minimalista que sorprende con actores no profesionales que demuestran mucha mayor verosimilitud que muchos presuntos artistas del método. Fresca, natural y sin aspavientos son los ingredientes de un film que aunque se ve con agrado le falta profundidad y algo de cohesión. Hasta ahora, nos parece sin ser una maravilla la mejor propuesta de las que hemos degustado en Sección Oficial…

LA PERLA

Porqué hablando de maravillas…ahora llega el momento de la verdad. De la cinta que me ha enamorado y que está en la Sección Atlas dónde contiene “las perlas” que han cautivado en los festivales más prestigiosos del mundo. No en vano, ésta recibió 15 minutos de ovación en Cannes. Estamos hablando de Illo Illo:
Estamos en 1997, en Singapur. Los Lim son una familia acomodada de tres miembros que reciben a Teresa (Angeli Bayani), una mujer filipina que ha venido a la metrópolis a ganar dinero para  los suyos. La adaptación de Teresa en un ambiente desintegrado de relaciones distantes entre sus miembros acabará fructificándose en una relación especial con el problemático niño protagonista.

Con esta premisa, Anthony Chen levanta, en su singapurense ópera prima, un prodigio de película; un drama asiático familiar al más puro Koreeda. Una cinta sencilla, sutil, bella y tierna capaz de tocar la fibra el espectador como sólo el cine asiático puede hacer. Una de las mejores óperas primas en mucho tiempo…Mejor me ahorro más elogios. Sólo diré algo más. Tienen que verla. Es una de esas razones por la que este certamen nos despierta nuestra curiosidad cinéfila. En ella hay mucho oro que rescatar. Así pues, seguiremos informando

CRÓNICA AFF: ARRANQUE EL CERTAMEN

Si existe un evento ineludible para todo cinéfilo esa es el del  Atlantida  Film Fest, el más importante festival de cine on-line. Durante un mes, asistimos de forma privilegiada a un catalogo de "patatas calientes" para las distribuidoras, que, sin embargo, resultan peritas en dulce para los aficionados al séptimo arte. No en vano, son cintas que han pisado festivales de todo el mundo tan reputados como Cannes, Sundance o Berlín.

Este año, el certamen viene más cargado que nunca y amplia su catálogo. Ahora son 45 películas las que podemos disfrutar durante un mes de cine que ya empezó este pasado 27 de marzo. Illo Illo, Prince Avalanche, Of horses of men, Los inocentes o el Desconocido del Lago que abre el festival, adelantándose a su inminente estreno en abril en nuestro país.         

LA DECEPCIÓN

Justamente, empezamos por la cinta de inauguración antes mencionada: El desconocido del lago. Considerada por la prestigiosa revista de cine Cahiers de Cinema como el mejor film de 2013. Sin embargo, este humilde crítico no coincide ni por asomo a esa consideración. Este hitchockiana revisión del mito de la maldad oculta (ambientada en el microcosmos del lago dónde se practica el cruising entre hombres), va fracasando a medida que avanza el metraje por varios motivos: Su innecesaria sexualidad explícita, su reiteración estructural e incluso visual y su previsibilidad. Si bien es cierto que los largos planos nos introducen en esa enrarecida atmósfera, el film se va disolviendo hasta quedar en “postureo fímico”. Es una lástima porque la propuesta empieza bien y ese aire de cine verité le sienta como un guante a la descripción de un universo poco tratado en el celuloide.

Así que decidimos ir con algo más animado, que nos hiciera saltar de la butaca. Del género de terror, en este Atlántida Film Festival teníamos 2 propuestas procedentes de nuestro país. Una ya la habíamos podido disfrutar en Sitges: los Innocentes dirigida por 12 alumnos del ESCAC. Si bien el film es un slasher al uso con todos los tópicos recogidos del género y la simplicidad en roles, argumentos y pretensiones como baza; esta última se acaba beneficiado del brainstorming de los realizadores tras del proyecto. Conclusión: una película tan simple como entretenida que va de menos a más y te engancha hasta el último minuto.

Sin embargo, no es lo que hemos encontrado en Reset. Sólo las breves apariciones del gran Pau Durá se salvan en la parte actoral, donde los actores jóvenes sobretodo no me transmitieron ningún tipo de verosimilitud. Y la historia promete pero se hace monótona  y al confiar más en los actores y el guión que en la acción, la hacen sucumbir al estar estos factores de nivel tan bajo. Es decir, terror aburrido para este cronista. Una lástima para un film cuya dirección técnica i artística es su mayor virtud pero está enterrado debajo de tantos elementos discutibles.

LA JOYA

¿Y todo va a ser decepciones? Pues no. Para eso, lo mejor es recurrir a los maestros. Llegó la hora de Michel Gondry, el director de Olvídate de mí  en el documental Is the Man Who is Tall Happy: An Animated Conversation with Noam Chomsky. Concebido a lo largo de cuatro años y a partir de una entrevista, Gondry nos sumerge en un alucinante viaje en las raíces del metalenguaje y nuestra percepción de las cosas a través del saber del dibujante rebelde Noam Chomsky. Sus reflexiones se transforman en animación; surgidas de un punto de fuga de un ávido buscador de respuestas que es el propio realizador. Su dinamización en imágenes de ese goce filosófico no es apto para todo el mundo pero a mí me hechizado este nuevo experimento del genio nacido en Versalles.

Y hasta aquí nuestro análisis en la primera y más breve semana del festival de cine dónde las películas llegan a nuestro hogar. Seguiremos informando

CRÍTICA: EL EXTRAODINARIO VIAJE DE T. S. SPIVET

Atención madres y padres: ya basta con atiborrar a vuestros hijos de fármacos contra hiperactividad y otras estupideces. Porque si os dais por aludidos, aquí este director francófono ha llegado para deciros que aquí el único que tiene el cerebro atrofiado sois vosotros. Y eso es culpa de tanto consultar la Wikipedia por el móvil.

Porque en la edad que comprende de la infancia a la adolescencia, los niños tienen que ser un polvorín de preguntas, imaginación y barroquismo tan grande como el que aquí vuelve a demostrar Jean-Pierre Jeunet en su última cinta, El extraordinario viaje de T.S. Spivet. Todo para que a través de unos colores saturados, personajes esféricos y movimientos de cámara cartoon- circense nos llega la historia de T. S. Spivet, un pequeño genio en la ciencia que busca no sólo entretener si no ofrecer valores no tanto estéticos si no morales: sin maniqueísmo, con inteligencia y con lucidez. Y paradójicamente lo hace mediante el instrumento tecnológico de última moda: un 3D ideal para troquelar la ficción del cineasta francés.

Y es que a diferencia del "Peterpanismo" que vimos recientemente en el Gran Hotel Budapest, el carácter naïf del director de Delicatessen dista mucho con el universo "Wesandersiano". Dónde en uno, apela el espíritu del nerd encantado de serlo apoyándose en el armazón de sus historias como vínculo emocional, aquí todo es un júbilo encanto de su infancia. Un festín protagonizado por Kyle Catlett en el rol de T. S. Spivet; superdotado de doce años que vive en un rancho en Montana con su peculiar familia. Su gran talento para la cartografía pronto tiene recompensa. Una institución científica le concede un prestigioso premio y, armado con una pequeña maleta, se dispone a cruzar el país para recogerlo. Así es como empieza esta road movie basada en un relato de Reif Larsen, música de Denis Sanacore, fotografía de Thomas Hardmeir y cómo no, un diseño de producción del gran Marc Caro. Y actores perfectos en el papel, claro está: como esta mentora mediática a la que da vida Judy Davis.


Sin embargo, a pesar de estas rasgos que humildemente señalo como virtuosos (habrá que los repelará justamente por lo mismo, obviamente) considero que la película no es perfecta. Sobre todo a mitad del metraje, se antoja que el viaje por Usa hasta el Smithsonian del pequeño lumbreras está a punto de caer en la mera caligrafía autoral. Sin embargo, un ácido final dónde la telebasura y todas los prejuicios educativos mencionados anteriormente se introducen en la guillotina,  el film levanta el vuelo. Y se eleva como un producto necesario ante la estulticia de cierto cine infantil de carne y hueso, que si bien no rompe la pana, seguramente se alzará con lo mejor de la estirpe de su cosecha. Quizás es menos de lo que esperamos de Jeunet, que es la más "comercial" de este director, pero El extraodinario viaje de J. Spivet es un entretenimiento de calidad para toda la familia; sin alejarse de lo que ha convertido el director de Roainne en lo que Es. Mercie Mounsieur Jeunet.

NOTA: 7

CRÍTICA: GANGS OF WASSEYPUR (PARTE 1)

Existen 2 clases de hombres: los hijos de puta y los imbéciles." Así empieza la voz en off de este titán fílmico que es Gangs of Wasseypur. El cine de gánsteres aterriza en Bollywood con ganas de hacerlo explotar entre navajazos, disparos a bocajarro y granadas caseras. La historia empieza a principios de siglo con los británicos explotando la provincia de Bengala para sacar carbón y Shahid Khan, un hombre que decide convertirse en bandido y asaltar los trenes llenos de ese combustible fósil.

Sin embargo, cuando uno de esos asaltos fracasa y es exiliado de la ciudad, una serie de hechos proporcionará que sea asesinado a traición por Ramadhir Singh. Su hijo pequeño, Sardan Khan huirá de su hogar para volver dos décadas después a vengarse del hombre que acabó con su padre...
 

En principio, nada nuevo bajo el sol. Una historia de venganza que nos recuerda, por ejemplo, a la de Gangs of New York de Scorsese; desarrollada a través de 3 generaciones de familias hindús. Sin embargo, Sardan Khan no es ningún héroe como lo era en su parte el Ansterdam de Leonardo Di Caprio. Es una persona que se ha criado con un odio, un vacío, que le convierten en alguien mezquino incapaz de controlar sus impulsos y de dar verdadero amor. La relación con sus mujeres e hijos (si, en plural) son buena muestra de ello. Es muy difícil valorar un film de 5 horas partido en 2 como éste, sin olvidar que nos aguarda la segunda parte de la naranja al otro lado de la esquina (la segunda parte nos llega a principios de mayo).
 

Pero este primer segmento deja clavado en la butaca en un suspiro. Amén de contarnos la historia de un país que en Occidente nos resulta bastante desconocido, el film es un viaje que huye de la previsibilidad que pueda aparentar su premisa para sumergirse en un complejo, denso pero demoledor crónica de una sociedad sin rumbo: un universo lleno de odios dónde la redención parece tener su castigo y el mal aparenta ser un ganador.
 

Manoj Bajpa (Sardar Khan) tiene el hándicap de igualar el listón de Jaideep Ahlawat, su padre en la ficción, pero acaba ganándose la platea con su contradictorio personaje que evolucionará de forma insospechada; dejando un legado de muerte y destrucción. El resto del poblado elenco también cumple aunque lo fascinante es como se fusiona una gran banda sonora con las imágenes. A veces, uno parece ver un espagueti western, en otras un musical que acaba en balazos y en otras, un drama histórico y social.

Por ahora, podíamos valorar este intenso tour de force como el intento casi milagroso de hacer la prosopografía de la historia de un país en una cinta de género tan ambiciosa como efectiva. El desenlace nos lo dirá si sale exitoso de la contienda. Por ahora, puede mirar de tu a tu las obras de su estirpe y eso es ya mucho…Veremos.
 

Nota: 9

CRÍTICA: GANGS OF WASSEYPUR (PARTE 2)

El error, el odio, el naúfrago.. Un perro de tres cabezas vertebrado en 2 partes cuyo pedazo final, huye de lo esperado con la fluidez de un río rebelde. Y es que más que nunca, la segunda parte de esta Gangs of Wasseypur parece dirigida por un descendiente hindú de Sam Peckinpach y su director de fotografía de L. Ballard. Pero no, se trata de Anurag Kashyap, un hindú que ha vivido entre esas mismas trincheras. Y, para ello, Anurag empieza la jugada de forma inesperada después de una masacre que nos recuerda a una escena cumbre del Padrino de Coppola dónde el eje de rotación de la historia viraba 180 grados. Y de ahí, vamos a otra cosa...

Los zooms y la estética western de Sergio Leone fast food deja paso a un film que navega en la introspección ligth y el blockbuster cuya forma de ser amén de espectáculo pirotécnico, es verbalizado por el gran villano de la saga:  "No veos films de Bollywood" responde Ramadir Singh, para dar constancia que el cine ha convertido en carne de cañón a los "imbéciles" que emulaban a sus héroes. Todo lo contrario que un Faizal Khan tan colocado y autómata que parece un zombie sin esperanza cuyo carácter impregna al film...hasta que la locura ya sean en inusitados momentos de humor o en tormentas de balas que hacen explotar todo el universo construido estas 5 horas. Y es que su explicita violencia responde a un odio colosal que nunca será capaz de "morir"...

No obstante, aunque si bien es cierto que tiene mucho menos altibajos de los que quizá uno podría pronosticar, esta segunda parte (llena de puntos de giro y una hora final de aplauso) es la más irregular de este fresco de la India; con clanes que juegan a las pistolitas sin saber conscientes no sólo de sus consecuencias si no del legado que transmitirán a sus generaciones de las mismas. Mas planos detrás de verjas, planos secuencias psicodélicos y ambientes vaporosos son la antesala de una 2 parte arriesgada: menos seductora pero con final ganador. Y es que este Gangs of Wasseypur es de principio a fin, una importante piedra del exigente subgénero gansteril que hay que ver.

NOTA: 8

CRÍTICA: GANGS OF WASSEYPUR

El cine hindú nos llegó con una propuesta que unia el cine de gángster con Bollywood. Además, elementos como el heroic bloodshed o el sphaguetty western también se daban cita en Gangs of Wasseypur: gran fresco sobre la sociedad india de de 5 horas que aquí desgranamos a continuación. 

El filme narra la historia de las familias corruptas de Wasseypur, ciudad conocida en la India por el carbón y sus mafias, desde los años 40 hasta hoy. Tres generaciones de familias rivales que acaban retratando la historia del país a través de la violencia y la venganza.

La cinta se estrenó en el Festival de Cannes de 2012 en la Quincena de los Realizadores. Era la primera vez que un largometraje de Bollywood aterrizaba en la Croisette y crítica y prensa quedaron gratamente sorprendidos ante el talento demostrado por Anurag Khassyap en este colosal proyecto; (que también heló Sitges y Sundance).

Lógicamente, los premios llamaron a su puerta. Los National Film Awards de India le concedieron una mención especial del jurado, mientras que los premios Filmfare, los Oscar de Bollywood, le otorgaron diez nominaciones de las que consiguió cuatro galardones, entre ellos el de mejor película para la crítica.

No es para menos. Con un fugaz estreno en cines dividido en dos partes, el film ahora en Dvd en nuestro país después de 2 años de retraso acerca de su país de origen no dejará a nadie indiferente.

Gangs of Wasseypur: Parte 1
Gangs of Wasseypur: Parte 2

ENTREVISTA JIA ZHANGKE: " ME ENCANTA LA PARTE MAS ORIGINAL Y NATURAL DE LA VIDA"

Ganador de un León de Oro en Venecia por “ Still Life”. Flamante ganador al mejor guión en Cannes por “ A touch of sin”. Considerado por Steven Spielberg como el mejor cineasta de la historia de China. Ese es Jia Zhangke,  director nacido en Fenyang que con su estilo documental se ha ganado a ser el máximo exponente de la sexta generación del cine independiente de su país.  Y lo ha hecho luchando a contracorriente con un sistema dictatorial  y opresor como es el régimen comunista chino. Y aunque esta vez, la producción de su último film proviene del gobierno, este mismo le ha prohibido estrenar en su propio país; algo desgraciadamente habitual en su obra que nunca ha llegado en las salas chinas. Sólo la piratería ha permitido que Jia Zhangke entrara en los hogares chinos.

Sin embargo, cuando nos reunimos con Jia Zhangke en la pasada edición del festival de San Sebastián, el cineasta desconocía que futuro tendría la exhibición de la cinta en su propia casa.  En la sección de Perlas, se encuentra “A touch of Sin” (cuyo título español es “Un toque de violencia”), donde la violencia se muestra sin tapujos en la pantalla. Gracias a Golem Distribución,  tenemos el placer de hablar con un realizador que usa la cámara para contar la otra cara de una China; espejo de este mundo globalizado y extraño que vivimos.

El director nos atiende en la terraza del Hotel María Cristina con una sencillez y humildad, dignas de elogio. Empezamos las preguntas en un ambiente agradable  con ganas de saber sobre su último trabajo: Y también de conocer de  primera mano el secreto de ese toque tan especial que tiene el director de la provincia de Shanxi.

En su última película, A touch of sin; nos narra 4 historias distintas ubicadas en diferentes puntos de la geografía china. ¿Por qué ha escogido estas historias?

En esta ocasión he escogido estas cuatro historias porque comparten el mismo tema: la violencia repentina. En este momento, este tipo de casos son muy normales. Cada caso aunque tengan en común esa violencia que estalla de repente tiene características que los hacen muy diferentes. La primera historia va sobre la desigualdad en una sociedad divida dónde se trata el tema de los sobornos. El segundo caso está ubicado en un lugar donde ya no queda gente joven y el protagonista de este fragmento indaga a través de sus valores como han llegado a esta situación. El tercer caso es el más importante. Habla sobre el respeto. Muchas veces la falta de respeto hacia las personas es lo que origina esa violencia. Y el cuarto caso es la violencia escondida; esa violencia que el chico protagonista se guarda para sí mismo hasta que se explota.  Y cada uno de esos casos ha ocurrido en cuatro ciudades distintas de China, de norte a sur; así que aparte de lo mencionado también los he escogido por eso.

Me gustaría saber cómo nace esa forma de rodar de estilo documental que le caracteriza como cineasta. ¿Rueda de esa forma por la falta de recursos o por lo que aprendió en el Beijing Film Academy?

Me gusta mucho rodar mis películas de forma documental porque me encanta la parte más original y natural de la vida.  En los cuatro casos de la cinta, además de violencia súbita también existe en ellas la vida cotidiana.  Y me gusta captar así la normalidad de la existencia para poder captar las vivencias con originalidad.  La vida es complicada y por eso hay momentos en que es mejor rodarlos de ese modo.  En cambio hay otros que es mejor hacerlo en formato cinematográfico. Por eso a mí me gusta mezclar esos dos estilos en mis películas.

Que recuerdos tiene del Beijing Film Academy y sus compañeros de la denominada Sexta Generación?

Cuando empecé a estudiar allí en 1993, en China era muy difícil que se pudiera ver cintas extranjeras. Pero en la academia teníamos una videoteca de cine donde podíamos ver todo tipo de películas.  Recuerdo que gozábamos de total libertad para conocer las últimas novedades sobre el mundo del cine.  Nos enseñaron mucho.

¿Ahora que Jia Zhangke es un icono de China para el mundo que ha cambiado en usted desde sus inicios hasta ahora?

Ha habido diferentes cambios a lo largo de mi carrera. Antes del 2008, me centraba en la vida actual de mis personajes.  Pero luego me centré más en la historia que estos tenían detrás. Ahora, sin embargo, he vuelto a hacer lo que hacía en mis orígenes y mis films vuelven a poner énfasis en la gente actual. Lo que no ha variado es esa mezcla de película y documental que he usado en cada uno de mis films.

A Spielberg le maravilló su última obra en el Festival de Cannes. Significa que este A touch of Sin podría ser su trampolín hacia Hollywood?

La verdad... no he pensado en eso. (Ríe)

Termina la entrevista.  El director se despide con una cordialidad perenne en toda la conversación.  Nos quedamos con la convicción de alguien  que en su labor como director indaga en los aspectos más genuinos de la realidad.  Y que no le importa en el camino susurrar (o en este último trabajo, gritar) la palabra “libertad” si lo ve necesario. Quizá el gobierno chino ha censurado el estreno y toda información sobre el último trabajo del director oriental, pero nunca podrá callar su voz en el resto del mundo.  Ese es el mayor triunfo del gran Zhangkei.