MIS ESTRENOS FAVORITOS DEL 2013

Hacer listas sobre lo mejor del año no es fácil. Y más cuando este año ha sido en él que  un servidor, personalmente, quizá haya podido ver más films de estreno de su breve vida. Incluso, he tenido el privilegio de disfrutar de algunas que aún no verán la luz este año ( las cuáles no están incluidas) y me han cautivado de forma hipnótica.

La tendencia a la valoración del film es casi siempre injusta. Valoramos la inmediatez que nos produce una historia y la forma de traducirla en una pantalla. Sea positiva o no nuestra percepción, nos olvidamos con frecuencia el trabajo que hay detrás de cada cinta. Horas, dias e incluso años de esfuerzo para valorar un producto final que puede durar escasos minutos. Pero al fin y al cabo, las cintas están hechas para este fin. Para llegar un público que necesita maná para sus vidas en un ejercicio de retroalimentación fascinante. Ya sea por puro entretenimiento, reflexión o mezcla de ambas cosas.

No obstante, el mejor juez para determinar el calado de una obra en uno mismo es el tiempo. Muchas veces, el poso que acaban dejando las películas así como lo que se obtiene de los siguientes visionados són la mas atinada vara de medir la fuerza de una cinta. Y son precisamente esas obras que sobreviven a esa niebla insondable tan grande como la vida misma, las que acaban siendo en el recuerdo de cada uno como films especiales; capaces de plantar una semilla en uno mismo y seguir creciendo, llegando a formar parte de la propia persona.

 Así pues vamos analizar mi TOP 10 de mis favoritas de 2013. Una lista que escoge entre los films que he visto (es imposible verlos todos) los que más me han llenado:

10. La herida: El mejor debut de un film español en años. Una de esas cintas que gana según pasa el tiempo en el espectador. Su análisis de la ansiedad se toca en acústico con la cámara de Fernando Franco y el cuerpo de Marian Álvarez que encarna a Ana. El unplugged del año.

9. Cruce de Caminos: Una de las mejores cintas estrenadas en España en 2013 es del año pasado.  Shakespeare y Lynch se juntan para crear este monstruo de tres cabezas que le da un bofetón al tópico de las historias cruzadas. Gracias Derek Ciafrance. Pero sobretodo gracias Ryan Gosling.

8. La Caza: Otro mecanismo de relojería dramático que describe tristemente nuestra sociedad. Mads Mikkelsen está soberbio y Thomas Vintenberg es un valiente que debe ganar el óscar este año.

7. Bienvenidos al Fin del mundo: Revalorizando la spoof movie está en Plan Cornetto mejorando la fórmula. ¿El resultado? Una fiesta entre amigos, pubs y androides. Para más inri, bajo las carcajadas yace una reflexión sobre la madurez y una peineta a ciertos grupos de poder. Bravo.

6. The Master: Una piedra extraña, abstracta, oscura, sensitiva. Para muchos, indigerible. Para otros, es fascinante como este cronista. Todo eso es The Master, quizá lo mejor de P. T. Anderson.

5. Una cuestión de tiempo: Richard Curtis alcanza el zenit de la rom con. Y lo hace con una reflexión sobre la vida y la muerte capaz de hacerte amar y comprender mejor el mundo al salir del cine. Algo más que un remake no confeso del film de Bill Murray. Una obra que te puede cambiar la vida...para bien.

4. The Gran Gatsby: La fama vista a través de las cortinas de confeti 2.0. Dentro y fuera. Misterio insondable como la vida que se vista de puente generacional entre la tragedia romántica, el espectáculo postmoderno y el glamour épico. Y sobretodo el GRAN Di Caprio.

3. Django Desencadenado: Es Tarantino. Es Waltz. Y también es Di Caprio, claro. Es la mejor reflexión sobre el racismo en años. Es un western clásico.  No es un western clásico. Es un spaghetty western. No es spaghetty western. ¿Qué es Django? De lo mejor de 2013, seguro.

2. Gravity: Es Historia del Cine. Una experiencia. Y sobrevivirá como joya vez quitada las gafas pero...

1. De tal Padre tal Hijo: Lo que hace Hirokazu Koreeda es de  otro mundo. La mejor cinta del director nipón con diferencia. Es muy difícil tratar tal conflicto con la sensibilidad que el cineasta nos propone. Llorar, reír, pensar, cambiar. La vida misma. La mejor de 2013 para este humilde cronista.

BONUS TRACK: Behind The Candelabra: Resulta que una de las mejores cintas de Soderbergh en años es un telefilm y no llega a los cines (si en TV). Misterios de la Industria. Lo que no es su inmaculado guión, sus interpretaciones increíbles (ojo a Matt Damon) y su ácida crítica a las bambalinas del show business a través de la figura de Liberace.

Y hasta aquí mi análisis de mis estrenos favoritos de 2013.  Una lista que puede coincidir con los gustos del lector y no es ni mejor ni peor que otras. Sencillamente es mi lista. Un décalogo, fruto de un 2013 pésimo en taquillas, rellena de estrenos tardíos y cifras bajas salvo excepciones. Pero la Fiesta del Cine ha hecho que la gente alce su voz en las maratonianas colas: Seguimos amando el cine. Sólo necesitamos que entre todos volvemos a rescatar está fábrica de sueños del séptimo arte. Humildemente, creo que lo haremos si para empezar tenemos claro la siguiente premisa: "Los tiempos cambian. El cine no, porque el cine somos TODOS."

CRÍTICA: GRAVITY

Durante una misión especial rutinaria, dos astronautas sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Ésta es la sencilla premisa que utiliza Alfonso Cuarón para crear Gravity, obra maestra de la ciencia-ficción. Así de simple. Después de retratar su país natal en Y tu Mamá también, a través del plano secuencia subjetivo; de experimentar con el mega blockbuster en Harry Potter y El Prisionero de Azkabán; y de crear la distopía a golpe de corresponsal de guerra en la colosal Hijos de los Hombres; el maestro se supera.

Cuarón, recoge todo lo aprendido y retrata la épica aeroespacial usando los recursos documentales con los que siempre ha jugado para proponerle al espectador una experiencia objetiva donde éste se convierte en un tercer astronauta.

Rodada en tiempo real con unos planos secuencia que transforman la cámara en los ojos del espectador, sentimos la fascinación y, más tarde, la angustia sideral de la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock), una ingeniera en su primera misión espacial en la Shuttle, cuyo único punto de apoyo es el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney) y sus ganas de vivir. Porqué mas allá de la experiencia sensorial, Gravity funciona al conectar de forma empática con el deseo humano de supervivencia; encarnado por una Sandra Bullock en el mejor papel de su carrera, con diferencia.

Dicen que los Hermanos Lumière se comenzaron a plantear la posibilidad de dotar a este nuevo gran espectáculo llamado cine con la tercera dimensión para que se hiciera más real. Y aunque Cuarón no sea el pionero, si será con probabilidad, el primero que más se asemeje a la obra de esos revolucionarios pretendieron. Dicho de otro modo,el mejicano  también"asustará" a la platea como los franceses lo hicieron con la llegada de un tren a una estación. Se que muchos verán el grado de entusiasmo de este crítico y lo creerán desorbitado, pero es que el uso de la integración del 3D para dar relieve a la puesta en escena es así de magistral.

Además, muchos os preguntaréis si esta cinta tiene algún defecto. Yo no se lo veo. Ni el libreto de Alfonso Cuarón y su hermano Jonás, ni la fotografía de Emmanuel Lubezki, ni las actuaciones. No hay nada que no considere que es sobresaliente. Tampoco no se sobreutiliza la banda sonora de Steven Price, como se acostumbra a hacer actualmente en muchos casos, en búsqueda de una épica a veces hipertrófica. Simplemente se usa cuando la cinta lo requiere. Y, por si fuera poco, además de todo esto, Gravity ni siquiera peca de exceso de metraje. Apenas hora y media. Y eso nos hace ver que estamos delante de un producto que juega en otra liga, tan excepcional que se merece una nota excepcional.
Gravity hay que entenderla como el Kubrick de 2001: una odisea en el espacio. Y esta afirmación hago en el sentido de que no es sólo una historia de viajes espaciales, ni mucho menos, sino un film que muestra la evolución y el destino del ser humano, pasando por el reconocimiento y enfrentamiento a sus miedos más profundos.

Nada, lo dicho. Este es un film es de otra galaxia. A disfrutarlo en pantalla grande y en 3D.

NOTA: 9

CRÍTICA: DE TAL PADRE, TAL HIJO

A la pregunta que hay de autobiográfico en esta historia, el cineasta nipón autor de Kiseki o Air Doll no puede ser más contundente. "Yo tengo una hija de 6 años y siempre estoy pensando ¿Cómo voy a educar a mi propia hija? Esa es una pregunta que le he dado le he dado muchas vueltas en esta película." Fruto de esto nace una de las mejores películas del año ( por no decir la que mas le ha gustado a este humilde crítico de las que ha visto). La sensación de Cannes, de San Sebastián y que ahora llega a nuestras carteleras. “De tal Padre tal hijo". Una cinta dirigida por Hirokazu Koreeda que se ha ganado el nombre de heredero de Yasujiro Ozu (aunque las etiquetas comparativas no sabemos si son la mejor forma de definir el trabajo de cualquier realizador).

CRÍTICA: BIENVENIDOS AL FIN DEL MUNDO

El spoof quedó huérfano a mediados de los 90. Después de que los Hermanos Zucker  tejieron la trilogía donde Leslie Nielsen convirtió en icono a Frank Drebin, el nivel bajó de forma considerable. El libro de estilo de sus predecesoras fue perdiendo fuelle y la llegada de Scary Movie impuso un nuevo estilo en el subgénero: uno mas excesivo basado en las referencias culturales que funcionaban más como acumulación que como inspirado sentido cómico. Eso y el uso de una escatologia postiza. Tampoco Mike Myers hizo lo suficiente para rehabilitar el cine paródico. Si, le dio empaque kitsch a un Bond más Flint que el propio Flint ( Flint, agente secreto) en Austin Powers, pero aún así no hizo nada para que las parodias no se conviertan en carne de videoclub. Tenían que venir los británicos a darle categoría al noble arte de la caricatura fílmica.

Y apareció la Trinidad cómica y geek de Simon Pegg, Nick Grost y Egdar Wrigth. Ambos nos trajeron Zombies Party. Después Arma Fatal. Y ahora cierran la "trilogía" con el canto de cisne del llamado clan Cornetto (llamada así por un chiste de su primer film sobre los helados): Bienvenidos al fin del mundo.
El argumento es el más surrealista de toda la triada británica: Cinco amigos de la infancia se reúnen después de dos décadas porque uno de ellos está empeñado en volver a probar suerte en un maratón alcohólico que nunca pudieron llegar a completar y que termina en el famoso pub “The World’s End”.  En su camino, se cruzará una invasión planetaria. Lo típico...

Hay muchos motivos para recomendar el film. Su ritmo trepidante in crescendo. Sus gags inspirados. Su surrealismo bien engrasado. Su "mensaje", tanto generacional como de principios ideológicos. Y todo esto esta presentado sin que se nota la complejidad de su mecanismo y cosmos. Lógico por otra parte... Porque esto es una comedia y no puede tener ni un bache. Debe ser un carrusel de inicio a fin. Este film lo es. Cumple todo eso. Servidor conectó durante los 109 min que dura el film. Y no olvidemos a secundarios como Paddy Considine, Martin Freeman o Rosamund Pike. Aunque Simon Pegg y Nick Frost son las estrellas, aquí nadie sobra. Todos son necesarios.

Así pues, ya sabéis. Para este cronista, la más redonda, como no podía ser de otra manera , la última de los Stan Laurel y Oliver Hardy del siglo XXI, ocurre en la barra de un bar. Y se llama Bienvenidos al fin del mundo. Ya están pagando la ronda...

NOTA. 8,5

CRÍTICA: EN LLAMAS

Cuando se encienden las luces de sala, uno tiene la enésima sensación del coitus interruptus que un seriéfilo tiene después de una season finale. Un gran viaje que te deja a medias. Una travesía que repite los esquemas del film anterior (y muchos de sus momentos cumbre) para duplicar el efecto de su antecesora. Todo podría oler a deja vu si no fuera por un "pequeño detalle". En llamas reproduce la fórmula con resultados mucho mas atinados que su precedente y refuerza lo que ya funcionaba en el anterior. Lo que intentan ser todas las secuelas y muy pocas consiguen, en definitiva.

Después de ganar los juegos del hambre, Katniss y Peeta se embarcan en la gira de la victoria, donde poco a poco se percataran de que una rebelión comienza a gestarse. Para frenar la sublevación y la esperanza que representa "la chica en llamas", el Presidente Snow organiza los 75 Juegos del Hambre anuales en los que los "trágicos amantes del Distrito 12" volverán a ser protagonistas.

Entre las grandes virtudes de la adaptación fílmica del texto de Suzanne Collins se encuentran los siguientes rasgos de identidad: el carisma de su actriz/protagonista -Jennifer Lawrence está fantástica-, sus principios ideológicos sobretodo en forma de sátira aparentemente inofensiva ( sus apuntes críticos al capitalismo son paradójicamente feroces y dan en el clavo). y su uso del triángulo amoroso como algo más que un elemento decorativo de la misma ( Josh Hutcherson como un "pagafantas" mas convincente que en la primera parte).

Pero además de eso, En llamas logra por fin solventar su mayor inconveniente: una claridad en su óptica que no diluya los objetivos de su planteamiento para su manufacturación en el mainstream hollywoodense. Eso se traduce en un cambio de director y de visión. La sutileza gana a la confusión que Gary Ross inyectó en la primera entrega con algunos planos tan memorables como efectivos (que no efectistas).

El director de Soy Leyenda, Francis Lawrence, es ahora el artesano y copia el estilo "crepuscular" o el de los últimos Harry Potter donde el silencio se manifestaba como rúbrica de una violencia retenida a punto de estallar. Pero por suerte, su material de partida tiene mucho más potencial que los libros de Stephanie Meyer y no sufre el desgaste del desenlace del mago de Hoghwarts. Además de eso, el film saca más partido de su iconografía reforzando su lado más camp y pulp mutando los peligros a que una prodigiosa Katniss y su equipo tendrán que hacer frente. Una odisea de gladiadores distópicos donde la franquicia hallará nuevos secundarios con fuerza como la neurótica Joanna o el vigilante jefe con los facciones de Philip Seymour Hoffman.

Eso sí, después de asistir a un tour de force digno del buen nombre de la saga, ese final mutilado con el que termina esta entrega nos devuelve a la realidad. ¿Es necesario contar esta historia de forma tan extensa sin sacrificar parte de su sustrato? Porque uno tiene ganas de ver como estalla ya todo. Y ahí está el verdadero problema (o no) de la saga: El enemigo no son ni los Tributos ni el Capitolio. Es el propio hype que despierta la saga. Así que veremos con este dilatado epílogo hace de esta revolución (se avecinan dos cintas más a modo de clausura). Si esta serie de películas se encontrarán más cerca de los palacios del séptimo arte o se quedará barriendo jardines como un emperador olvidado....Por ahora aprueba su entrada en el Olimpo después de realizar un gran combate en la arena. Veremos si el sinsajo sigue volando tan alto en el último acto.

NOTA. 7

ENTREVISTA A OLIVER STONE: "EL MIEDO QUE TIENE USA A CHINA ES UN MIEDO ECONÓMICO"

Tres Oscars. Cinco Globos de Oro. Y una filmografía y nombre de leyenda: William Oliver Stone. Este cineasta nacido en Nueva York en 1946 revolucionó con su cine la década de los 80 con películas de fuerte trasfondo crítico con la sociedad y política norteamericana: Platoon, Wall Street, JFK, etc. Ahora en 2013, el cineasta sigue al pie del cañón, al presentar en el Zinemaldia 61, un documental llamado  La historia no contada de Estados Unidos. Una puñalada trapera a su país que sigue la obsesión del cineasta por mostrar las vergüenzas del capitalismo y de su país de origen.

Varios periodistas fuimos recibidos por un exhausto pero solícito Oliver Stone, quien sufrió un maratoniano día de entrevistas, ruedas de prensa e incluso un coloquio con el público asistente a las proyecciones de su documental. Pocos cineastas de su categoría son tan cercanos como él. Con éste hombre responsable de Salvajes o Giro al Infierno realizamos una charla que acaba siendo mas política que cinéfila; pero que al fin al cabo, todo lo que nos dice Stone es el ABC de su filmografía. Y es que sea a raíz de este documental o en su obra, el espíritu rebelde del neoyorkino siempre está latente. Así que allá vamos.

El documental se emitirá en la 2 de TVE española. ¿Qué opina que aquí su documental se emita en una televisión pública?
Me encantaría que mi documental se emitiera por la cadena pública norteamericana porque entonces lo vería más gente. El problema es que la cadena pública ha sido corrompida por luchas políticas. Y esta serie seria demasiado polémica: Pero para mí no hay diferencia. La verdad es que no puedo hablar de España porque no conozco el sistema así que no puedo comentar nada al respecto. Para mí, este documental es una interpretación fiel con muchos datos de la historia de USA. Pero en este caso la TV pública ha pagado el precio de esa lucha interna política.

En el último capítulo de documental, hace hincapié a que China se convertirá en la primera potencia del mundo y eso es algo que Estados Unidos está temiendo y por eso está haciendo un escudo aliándose con los países vecinos. ¿Qué opina de la situación socio-política actual y, concretamente, del rol de China?

 No ha cambiado nada. Desde la segunda guerra mundial, Estados Unidos formó alianzas por todos los lados del Pacífico: Japón, Corea, Taiwán, Filipinas, Australia. Y en vez de dejar las bases militares las expandió. Después del 1949, por ejemplo, en la Guerra de Corea vieron a China como "un cañón suelto" y Mao era un "misterio." Pero al final, hicieron sus alianzas con China. Sin embargo, China no tiene una fuerza militar. Lo que ocurre es que

el miedo que tenemos a China es un miedo económico. Pero China nunca va a superar a Usa como el número 1 económico del mundo. A veces el matón actúa como la víctima para traer simpatías. Y Obama pueda dar 1000 millones de armas nuevas a Taiwán, hecho que ha enojado bastante a los chinos. Hay una nueva base naval en Corea que quieren los norteamericanos que está siendo construida por los coreanos. Así como una base nueva en Okinawa.
Pero China sabe que no hay posibilidad de un conflicto militar. Aunque a veces el Pentágono parece querer aparentar que lo están considerando. En cuando a la cyber guerra por ejemplo, en vez de ser un arma de China es un arma nuestra. Nosotros somos las más fuertes en materia de armamento. Hemos atacado a Irán sin ir más lejos.Sin olvidar que hay un escudo general de armas apuntando a China. Pero China nunca ha sido una nación con una política agresiva. Lo que quieren es asegurarse la seguridad económica, mantener su poder y la estructura del partido comunista. Porque, por cierto, a mí el sistema americano no me parece ni capitalista ni comunista.

En la serie cita a Fukuyama y la caída del fin de la historia. ¿Cree usted que a partir de la crisis económica el triunfo de las democracias liberales es un hecho refutado o por el contrario cree que sobrevirán otros modelos económicos?
Buena pregunta... Algunos nos preguntamos si hay un mejor modelo del capitalismo que este mejor regulado que el que tenemos. Por ejemplo, un consejo de sabios observando todo....Y me preocupa. Porque somos víctimas de la concentración de la riqueza por culpa de los grandes bancos y las multinacionales. Por ejemplo el euro en Europa es algo que me parece cuestionable. No sé si es una buena idea. En realidad esa idea es en sí norteamericana: todo más grande, más grande. La política fiscal centralizada no me parece una idea europea. Yo recuerdo cuando Europa eran países diferentes. Era muy bonito ir de país en país y todo era diferente según dónde estabas. Ahora, este estándar ha permitido a Alemania (que ha ganado la segunda Guerra Mundial) se alce como un Washington D.C Europeo, dirigiendo los destinos de los demás. Y eso a la larga puede crear hostilidad...Entonces, la socialización me parece bien pero lo que más me atrae son los mercados que a veces son más sabios que los gobiernos. Mercados si, Gobiernos No. Los mercados son más justos.

¿Podría hacer de futurólogo y decirnos, según su opinión, qué cree que pasará en Siria?
En el primer episodio se habla de la tiranía de ahora. Porque si te centras demasiado en el presente pierdes perspectiva. Pensemos en un momento lo que ha hecho Usa en Irak. Estados Unidos ha destrozado a Irak. Y pretender que podemos ver el futuro a raíz del presente, creo que es bastante peligroso. No tenemos mucha información sobre lo que está pasando en Siria. Yo siempre busco a los malos. Cuando Bush dijo que Truman dijo que creía que fue uno de los mejores presidentes de los Estados Unidos yo me pregunté sobre Truman porque no sabía mucho acerca de él... Y en cuanto descubrí un poco sobre él, las alarmas empezaron a sonar. Y en cuanto Sarkozy él dijo que él buscaba un cambio de gobierno en Siria y no me fio ni una pizca de él. Él es el perrito faldero de Bush. Yo trabajo con mis instintos y mis sensaciones. Cuando Hillary Clinton dice algo, lo dudo enseguida. En Usa tenemos información del gobierno pero la vas recibiendo de forma paulatina así que tenemos que tener precaución y estar muy cautelosos. Pero tenemos que aprender de la historia y mirar antes de saltar.

CRÍTICA: TOTS VOLEM EL MILLOR PER ELLA

Tots volem el millor per ella se podría haber llamado Tots creiem que es el millor per ella/Todos creemos que esto es lo mejor para ella. O La ferida, (La herida), ya que el nuevo film de Mar Coll comparte puntos en común con el de Fernando Franco, aunque la intención analítica del personaje principal aquí es mas fría, distante, sin primeros planos. Y, porqué no decirlo, menos inspirada. El nuevo film de Mar Coll funciona menos de lo que debería para este cronista. Pero lo hace gracias a un par de aspectos destacables que la hacen huir de la rutina.

Las más inspiradas son las primeras secuencias de una Nora Navas como Geni, una chica afectada por las secuelas de un accidente automovilístico. La interpretación de la actriz catalana es brutal. Cojeando, tímida, tartamudeando las palabras y, a la vez, dándole vida en los momentos que el personaje se revela mostrando unas ganas de vivir inusitadas. Y maravillosas. Y luminosas.  Nada que reprochar al trabajo de este actriz: sólo admirarlo.

Pero, al margen de eso, lo demás lo hallo muy flojo. Tenemos una rutina artificial de alguien que repite los mismos códigos del film anterior. Una progresión de ideas con el mismo estilo que considero que, a pesar de sus intentos de sutileza, acaba sacando conclusiones obvias y adolece de una falta de tensión ante el dilema planteado. Problemas que en este crítico provocaron su gélido impacto ante su ópera prima y que quizá son, en realidad, rasgos de autoría. Unas características que a mi no me convencen para conectar con el relato. Sin embargo, esos "inconvenientes" puede ser un factor decisivo a quienes busquen una progresión del universo de Mar Coll. Así que no seré injusto. Seguramente el film gustará a los que gustó la anterior película. Y en sus mejores momentos, Nora Navas consigue incomodar y transmitir una tensión muy bien conseguida. Lástima que no creo que esa sea la tónica predominante del resultado final.

NOTA: 5

FINAL 45 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE SITGES

Para los cinéfilos, el séptimo arte forma parte de nuestra vida. La mayoría hemos crecido con el cine que vimos en la infancia. Los responsables del festival han sido conscientes de esto y por eso este fin de fiesta ha sido una espectacular traca nostálgica que se ha puesto al público en el bolsillo. Y lo ha hecho dandóle un regalo a la generación de la Game Boy, los walkmans, las peliculas de 35 mm y el anime por antonomasia después del colegio. Si, empezamos hablando de Dragon Ball y la batalla de los Dioses. El film realiza una historia paralela a la série como hacían el resto de peliculas de la saga pero lo hace a través de una forma atípica que quizá se gane mas de un detractor, frustado por no ver lo que el fan esperaría de ella. Por el contrario y a pesar que la he encontrado algo irregular y desaprovechada me ha convencido la propuesta. El film es un ejercicio que rescata el humor vodevilesco de la saga para reflexionar sobre ella. Le falta acción y aunque tiene algun momento inspirado en este sentido, si es cierto que en ese aspecto resulta algo insatisfactoria. Pero el film le da vueltas de tuerca a su mitología de forma interesante.

Seguimos con la SORPRESA de las 15:00. En cuanto Nacho Cerdá y Àngel Sala entraron en una sala abarrotada de gente acompañados de Bobba Feet, soldados imperiales y Jedi los aplausos fueron atronadores. Con la colaboración de Phenomena Exp, tuvimos el placer de poder disfrutar en pantalla grande de "El retorno del Jedi". Aplausos continuos eran síntoma que no era una sesión cualquiera. Era algo especial.

Sin embargo, me parece obligado destacar uno de los films que mas inadvertidos han pasado del festival. Haunted es una vuelta de tuerca al thriller sobrenatural con una magnífica Abigail Breslin. Es cierto que el film a veces carece de juntar las piezas de forma algo líneal pero podria verse como un muy estimable complemento a Los Otros de Amenábar. Y el director de Cube, Vincenzo Natali, vuelve a demostrar su oficio en la dirección, aunque el producto no tenga esa aúrea críptica de su ópera prima.

Por último, las colas mas largas del festival fueron para el adiós de un genio: Miyazaki y su The Wind Rises. La pelicula mas realista del maestro creador de la princesa Mononoke y Chiriro pero que a pesar de estos rasgos de su último film, no esta exenta de vitalidad, humanismo y "magia". Sus procelosas imágenes se mezclan en una banda sonora exquisita en la película mas madura del creador nipón donde Hayao Miyazaki reflexiona sobre si mismo a través de la figura de un ingeniero de aviones.
Y hasta aquí Sitges 2013. Solo comentar el palmarés con unos galardones muy repartidos que han premiado a Borgman como mejor film. Servidor sobretodo se alegra de premios como la dirección de Big Bad Wolfes, el del guión de Coherence o el premio a mejor film europeo a Enemy de Denis Villenueve. Y sobretodo se alegra del entusiasmo de los fans que han llenado las salas de cinefilia desde el primer día. Gracias.

46ª EDICIÓN DE SITGES: DIA 6 y 7

Pasado el ecuador del certamen, la sensación es bastante agria. Los aficionados parecen contar con los dedos de una mano, los films que más les han llamado la atención. Uno de los más comentados estos días es el que nos llegó este miércoles: Europa Report, una space opera filmada en found footage con nombres como Sharlto Copley o Cristian Camargo. Todo empieza con equipo internacional de astronautas que es enviado a una misión privada en la cuarta luna de Júpiter. 90 minutos más tarde asistimos a los títulos de crédito de esta correcta odisea espacial (sobre todo por su tramo final), pero cuyo libreto de Philip Gelatt se pierde en una presentación demasiado fría y superficial de los personajes. Aun así, y sin ser ninguna Gravity, Sebastián Cordero realiza un gran trabajo ante la cámara y sabe sacar grandes momentos de un cast inspirado.


Por su parte, el jueves hemos asistido al estreno de lo que se anunciado como "la película favorita de Tarantino del 2013". Estas declaraciones extraídas del realizador de Jackie Brown en el festival de cine de Busan han sido lo que ha levantado la expectación de la cinta en las últimas horas. Al verla, uno entiende porque este film israelí ha conectado con el cine de Tarantino. Todos conocemos la predilección del genio por las escenas de tortura cínica y macabra. Y este film sustenta su premisa en una serie de secuencias que mezclan la tortura, con el humor negrísimo y cotidiano (con ciertos apuntes sociales) para hablar una historia sobre los verdugos con mucha más enjundia de lo que parece. Y un guión sólido y bien dirigido que te atrapa desde el minuto 1. Recuerden su título: Big Bad Wolves.  Y el tándem de directores responsable del invento: Aharon Keshales y Navot Papushado.

Y el viernes tocó un día de terror. Un diabólico día que empezó con Insidious 2 y acabó con un slasher de instituto, llamado All cheerladers die. Y, desgraciadamente para este cronista, ambos son dos films fallidos. Empezamos con la primera y a priori plato fuerte del día: Insidious 2 de James Wan. Esta vez, Josh y Renai Lambert se han mudado con sus hijos a la casa de Lorraine, la madre de Josh, esperando olvidar el pasado y comenzar una nueva vida. Pero pronto, la familia empieza a experimentar extrañas visiones y fenómenos amenazantes, que les obligarán a desentrañar el oscuro secreto que les ha dejado conectados con el mundo espiritual….Una cinta que transmite una desgana preocupante y que hace preguntarse varias cuestiones a este crítico. ¿Realmente es James Wan el que está tras la cámara? ¿Es el mismo que The Conjuring? ¿Qué ha pasado entre una película y la otra? Porque, después de un primer segmento algo reiterativo y confeccionado a medio gas (pero aceptable), Wan deja al film a merced de unos Abbott y Costello de tres al cuarto, que convierten el film en un spoof ridículo y sin tensión. Ver para creer.

Lo de All cheerladers die aún ha sido un producto más flojo. Mäddy Killian es una joven de 17 años del instituto Blackfoot con la misión de hacer caer al capitán del equipo de fútbol. Se alistará a un grupo de cheerleaders para conseguir su propósito, pero una serie de trágicos acontecimientos harán que las chicas se vean empujadas a una batalla sobrenatural que culminará en una noche sangrienta. No, no es un argumento novedoso. Ni la comedia high school ni el slasher de vieja escuela son puntos de partida originales, ni juntos ni separados. Y si encima están filmadas como si fuera un reality, lleno de efectos de postproducción, el resultado puede ser bastante olvidable. Es lo que ocurre con este film que además peca de una misoginia deplorable. Si, es lo peor que he visto en Sitges por el momento y eso que solo queda un día...

En definitiva, una montaña de rusa con films más bien insatisfactorios, pero con algunas perlas rescatables como la "preferida de Tarantino", que puede conseguir rascar algo en el palmarés. Nosotros esperaremos este palmarés. Así que estaremos informando.

46ª EDICIÓN DE SITGES: DIA 4 y 5.

Aprovechando lo pertinente de una de las metáforas empleadas por Álex de la Iglesia en la masterclass del martes, prefiero los invitados a la boda que quien se casa. O mejor dicho, como me ocurrió con San Sebastián en este certamen de Sitges por lo general me llaman más la atención las películas que no concursan que las que lo hacen. Y eso que aquí el catálogo es más numeroso...Por ejemplo, la mejor película que he visto del certamen con diferencia es ni nada más ni nada menos que una comedia. Y es que primero fueron los zombis. Después, los films de acción policíaca. Y ahora, la última muestra de los Stan Laurel y Oliver Hardy nerd- cockney es Bienvenidos al fin del mundo. 108 minutos de gags inspirados. Un in-crescendo que no tiene ni un bache, ni un momento de respiro. Todo empieza cuando cinco amigos de la infancia que vuelven a reunirse luego de 20 años para repetir una maratón de consumo  cervecero en su pueblo natal hasta que una invasión planetaria se cruzará en su camino.

Drama, acción y frikismo se cita en esta fiesta del humor con mensaje anti-bilderberg, aceptación de la madurez y los valores humanos. La comedia imposible la acaba de dirigir Edgar Wright con Simon Pegg y Nick Frost. Una cinta que se convierte en la mejor comedia total en mucho mucho tiempo.

Como hablar de Enemy, sería reiterarse en lo que defendí en San Sebastián (joya kafkiana donde las haya) seguiré con la sección oficial. El lunes casi sufrimos un cortocircuito con Coherence.
Coherence es una de intriga claustrofóbica de física cuántica sobre las realidades paralelas. Ahí es nada. Un film nada fácil que se va enredando como un ovillo de lana partiendo de un grupo de amigos en una casa mientras pasa un cometa. El director estructura en exceso los actos del impro-show que dio pie al film y a la vez se recrea demasiado en unos diálogos insubstanciales en una película interesante pero le cuesta horrores arrancar. Un film que con otro montaje creo que hubiera sido mucho mejor de lo que es pero tampoco no es nada desdeñable y que contiene sobretodo un inspirado segmento final.

Por su parte, martes fue el día de Solo Dios Perdona, Real y el de la Masterclass de Álex de la Iglesia. No me voy a extender mucho con el film nipón. Parece mentira que ante el alto nivel del cine oriental una de las propuestas que crucen el charco sea la presente. Porque Real ha sido para este cronista, uno de los films más flojos y aburridos del certamen. Historia alargada en exceso, interpretaciones frías y un caos torpe del que cuesta conectar. Muy poco que rescatar amén de una parte final algo más dinámica y alguna solución visual resultona.


Así que dejemos decepciones aparte y hablemos de un golpe encina de la mesa lleno de buen cine. Estamos hablando de Sólo Dios Perdona de Nicolas Winding Refn. El cine independiente de Hollywood mira al cine asiático para hacer un sugerente piscolabis onírico (aunque en este caso sea una coproducción europea) que firma el director de Drive. Un film cuyo énfasis a su estilo visual que parece heredero del Wong Kar-Wai mas soñador con su predilección por primerísimos planos, tomas largas y el rojo centelleante de 2046. También se impregna de la violencia del cine japonés de Kitano o el del coreano Park Chan-Wook salpicando los planos de esta historia con un sanguinario entremés fileteado con katanas e interrumpido por balas fatales. Un relato en la que sigue latiendo ADN de noir usa como la Marlene Dietrich que encarna Kristin Scott Thomas o ese Ryan Gosling que lleva al paroxismo su figura de héroe (imperfecto) de hielo. Y es que aunque creo sinceramente que hay algo de postureo en la propuesta que no le hace bien,  su justo metraje no hace naufragar este chupito asiático-norteamericano ( y europeo); convirtiendóla en un pulp de qualité.

Y sobre los 75 minutos de la masterclass de Álex de la Iglesia os diré que se hicieron cortos. Creo que brillante se queda pequeño al definir uno de los momentos del festival. El director vasco respondió a las preguntas de este festival del cual se declaró un fan mas: "Sitges es el lugar donde me lo he pasado mejor, donde he disfrutado del cine, donde he visto películas que no se me olvidarán nunca y he presentado películas que tampoco olvidaré jamás".

Y por lo demás, no se rumorea ninguna clara favorita. The Green Inferno es el film que despertó mayor hype y Coherence es de esas películas controvertidas que tiene fans acérrimos y fuertes detractores. Aunque este crítico si tuviera que decantarse por ahora lo haría por Mindscape. Lástima que a priori no está en las quinielas pero nunca se sabe. Así que seguiremos informando...

CRÍTICA: LA MIRADA DEL AMOR

Hitchcock sigue en cartelera, o mejor dicho, sus fans replicantes. Si esta semana tenemos Grand Piano que se inspira en el realizador de Leytonstone , también nos llega una versión que se vincula directamente con un emblemático film del enfant terrible: Vértigo. Sí, el nuevo film de Anette Bening, The Face of Love es una confusa réplica de la película m
as fetichista del maestro del suspense. Sólo que ahora este remedo de dicho argumento está empaquetado para amantes del romanticismo melancólico maduro al estilo de Los Puentes de Madison. Pero con resultados muy insatisfactorios y bastante menos inspirados que el film de Clint Eastwood.

Una mujer que enviudó hace años se encuentra un día con un desconocido, cuyo parecido físico con su difunto esposo es tan extraordinario que se sentirá extrañamente atraída por él. Cambien a Kim Novak por Ed Harris y la mujer de Warren Beauty por James Stewart y ¡voilà!...tendrán The Face of Love. Pero eso no es todo.

Y es que a pesar de tener a dos grandes actores como la citada Annette Bening y Ed Harris, la cinta naufraga al no encontrar el tono. Arie Posin en su segundo largometraje parece no saber si el film es drama o comedia y cae en recursos fáciles y demasiado el tedio a pesar de sus "golpes de efecto". No es el que el film recuerde a esa obra maestra del cine y su recuerdo la perjudique por agravio comparativo. Es que ya no se aguanta asi mismo como película. El film es lineal, previsible y lleno de situaciones forzadas que derivan a la desconexión del espectador. Tampoco ayuda la realización de un director que, como hemos dicho, no sabe homogeneizar el conjunto. Sinceramente, el análisis que he realizado a este film pone a relucir múltiples aspectos por lo que considero que este film se desploma como entretenimiento. Vamos a ver... Si este relato el sr Hitchcock ya lo contó antes...¿Para qué estropearlo? Es que bajo mi prisma, sólo los actores se salvan de la quema. Entre ellos, por cierto, un desaprovechado Robin Williams como vecino confidente. Por lo demás, este cronista no ha quedado muy satisfecho con esta cinta. Pero quien sabe si vosotros la podéis apreciar más.

NOTA: 3

CRÍTICA: INSIDIOUS 2

James Wan se ha convertido en el nuevo rey del terror de los últimos años. Los responsables de tal pesada etiqueta son, para empezar, la saga Saw, de cuya primera entrega él fue el artífice junto a su socio Leigh Whannell. Luego vinieron dos hits, que huyendo de la explícita violencia de esas propuestas, cautivaron al público fan de las "películas de sustos": Insidious y posteriormente su obra magna: Expediente Warren, donde hizo gala de una sutileza y virtuosismo en los que canalizó todo lo aprendido hasta la fecha.

Es por eso que ahora, después de este clímax como creador, uno se pregunta que ha pasado aquí. Sí, amigos. Insidious 2 es su peor película con diferencia. Desaparecida la novedad de la solvente primera parte, Wan efectua un primer segmento siguiendo la línea de la anterior, pero ejecutándola a medio gas, sólo salvada por algún momento inspirado, pero con una apatía preocupante.

Asimismo, el resto del film acaba resultando aún mas fallido si cabe. El humor acaba adueñándose de forma demasiado significativa, como si el film jugara a ser un autoparodia. El resultado acaba siendo un film ridículo y sin tensión, que acaba haciendo desconectarnos de la historia a la que nos enchufó el propio Wan en la primera entrega. Parece que el propio realizador malasio, harto de el género que le ha encumbrado, quisiera autosabotearse para no tener que repetir la experiencia. Sea lo que sea, estoy convencido que le vendrá bien el cambio de aires que le supondrá Fast & Furious 7. Mucha suerte. Por lo demás, esta secuela cumple el tópico de "segundas partes nunca fueron buenas".

46ª EDICIÓN DE SITGES: DIA 1, 2 y 3

Otro certamen que empieza con el cielo roto.Como una extraña costumbre, empezamos de nuevo la temporada festivalera en el Auditori. Nos espera para la apertura, un nuevo film español, del director de Agnosia, pero con reparto, factura y vocación internacional. Se trata de un ejercicio hitchcockiniano llamado Grand Piano.

Nos aguarda la 46ª edición del Festival de Sitges, dedicada al origen del mal, como reza desde scartel, homenaje a La Semilla del Diablo, de Roman Polanski, que preside la entrada del Auditori, de manera tan imponente como amenazadora.

Y así se inaugura el certamen con la última película de Eugenio Mira. Un film tan magistralmente dirigido de forma técnica como lleno de concesiones y lagunas en el guión, para mi gusto excesivas en muchos momentos. El alto hype proveniente de las críticas del festival de Austin no me han ayudado. No me parece un mal film, pero esta muy por debajo de lo que podía dar, sobre todo por el virtuosismo técnico del que lleva las riendas de la producción. Recordemos que la historia es la de un pianista, interpretado por Elijah Wood, que llega a Chicago después de cinco años sin actuar y es amenazado por un francotirador con la voz de John Cusack. El actor de Balas sobre Broadway no estaba en el Hotel Melià de Sitges, pero si su protagonista, Elijah Wood, que ha despertado la admiración de los fans que pasaban por la localidad costera.


Pero pasemos al punto negro más importante del día. Por que lo de Upstream Colour es harina de otro costal. Si el cine experimental pasa del mediometraje, creo que se requiere un vínculo entre espectador y roles. Algo que no hace la segunda película del director de Primer, Shane Carruth. Imágenes "malickianas" al servicio de un surrealismo que se me ha antojado frío, plano y aburrido. Poco más que decir bajo mi humilde opinión. No es que no sólo no la entienda, es que ni me evoca, ni me provoca, ni me emociona.

Mejor ha sido Byzantium. La vuelta a Neil Jordan al vampirismo, tras Entrevista con el vampiro, no hechiza, pero si funciona con solvencia al dominar un tono gótico-poético algo monocorde, pero con eficacia y haciendo buen uso de sus distintos elementos. Sin ir mas lejos, las dos vampiras protagonistas, Gemma Arterton y Saoirse Ronin, están en sus registros habituales, pero estas al servicio de la historia y no al revés. Lo mejor de una primera jornada con un nivel bastante insatisfactorio para este cronista.

DIA 2: EL DIA DE ELI ROTH

El segundo día en el Festival de Sitges estuvo marcado por los muertos vivientes; concretamente por una marabunta de zombies, que llenaron las calles de Sitges, como si los figurantes de la película Guerra Mundial Z se tratara. Padres madres, niños, jóvenes e incluso personas de avanzada edad, se pusieron en las manos de los artistas del maquillaje para llenar su piel de cicatrices, heridas y otras malformaciones putrefactas. Y mientras, en el Meliá, un nombre no paraba de retumbar entre prensa y fans: Eli Roth.

El director de Massachusets vino por partida doble a Sitges. Como director de su "caníbal film", The Green inferno; y como productor de su ficción televisiva Hemlock Grove. La presentación y proyección de la misma tuvo lugar en la sala Tramuntana, donde al director de Hostel le acompaño su nueva musa, Lorenza Izzo. Según Roth" El productor alec Whitman me dijo 'Tengo una novela para ti. Va sobre hombres lobos y vampiros'. Rapidamente puse cara seria pero antes de eso el dijo: 'Espera, esto va a ser algo diferente. Va ser mucho mas oscura, mucho mas violenta y tiene un toque parecido a Twin Peaks'. Así nació esta serie que el director de Hostel produce, así como también se encarga de la dirección del primer capítulo de la ficción para Netflix. Según el cineasta de Cabin Fever una de las razones por las que quería hacer esta serie era "joder a todos los fans de Crepúsculo". Así de vehemente se expresa Roth. Un realizador cuya imagen icónica del oso judío en el film de su amigo Quentin Tarantino, Malditos Bastardos, ha quedado para la posteridad.

DIA 3: THE CALL, PATRICK Y MINDSCAPE

Por su parte, en el tercer día tuvimos la oportunidad de ver 3 films muy distintos. The Call, de Brad Anderson, es un suspense de estética videoclipera y con estructura y reminiscencias televisivas, protagonizado por Halle Berry. El director de Connecticut nos cuenta la historia de un psicópata que secuestra a una chica, pero se centra en la figura de la operador

Mas clásica es el remake de Patrick, un aproximación mas retro todavía del film de terror setentero australianiano. En esta ocasión, Mark Hartley cuenta con un reparto encabezado por la nueva scream queen Sharni Vinson (en la fotografía) y Charles Dance, que recibió el Premio La Máquina del Tiempo ante el eufórico público del Auditorio. El fenómeno Juego de Tronos ha convertido a este veterano actor en una gran celebridad para la comunidad fandom del festival.  Todo perfecto para vender este buen film tan gótico y hammeriano como la espléndida partitura de Pino Donaggio, con sus pertinente clímax de humor negro y casquería marca del género. Eso si, aunque quizá con menos dosis de la esperada.
a de emergencias que ayuda a la protagonista, encarnada por la ganadora del Oscar por Monster's Ball. La película no descansa durante sus 90 minutos, aunque algunos tópicos y un efectista uso de montaje y sonido, le hacen restar bastantes puntos para este crítico. Pero, al fin y al cabo entretiene, que es lo que importa.

Pero el plato fuerte ha sido Mindscape. El debut de Jorge Dorado en la dirección no sólo resulta un film dirigido técnicamente como si fuese un veterano; sino que la dirección de actores es sublime. Aparte de secundarios roba escenas como Brian Cox, este denso film se centra sobretodo en el dúo Mark Strong/ Taissa Farmiga para un firmar un gran película de intriga mental. La historia de un especialista en incursiones en los recuerdos de otras personas está protagonizada por el villano de moda del Holywood de los últimos años: un Mark Strong que, en la presentación del film, realizó un divertido "speech" en catalán, que se llevó una merecida ovación del auditorio de Sitges.

Y el festival pasa. Y aún queda mucho por ver.  Hoy  tendremos lo último del director de Drive, también hemos visto el apocalipsis según Simon Pegg  o una de las películas más sorprendentes proveniente de Finlandia: Coherence. ¿Aún no os habéis pasado por Sitges? ¿ A qué esperáis? Seguiremos informando.

CRÍTICA: CANÍBAL

Tenebrismo. Término usado en la pintura barroca que se refiere a esa clase de óleos cuyo violento contraste de luces y sombras es su rasgo más característico. Velázquez ya lo usó en muchos de sus cuadros y ahora otro andaluz la utiliza para hablar de un corazón entre tinieblas latiendo en Granada. Un corazón que se alimenta de carne humana.

No en vano, las imágenes de Caníbal (cuya fotografía fue premiada en San Sebastián) son la base para la sinfonía de silencios que su director Manuel Martín Cuenca funde con la sutileza y la angustia para erigir su última película. Una obra cuyo tótem es un asesino magistralmente interpretado con pasmosa intensidad (y a la vez contención) por un gran Antonio de la Torre. Sastre de día, asesino de noche. Siempre solitario y perdido en un mal que nunca acabamos de entender. Simplemente, él es lo que es y ese es el viacrucis personal del protagonista. Sólo la luz del personaje de la gran Olimpa Melinte parece la única capaz de iluminar su alma oscura...

La posible redención es lo que veremos al largo de esta obra de claroscuros, donde la forma le da categoría al por otro lado un género tan manido como el psycho-thriller. Pero el film lo revaloriza gracias a la forma en la que nos muestra el contenido. Es por eso, que lamento que su desenlace se me antoje algo apresurado e insatisfactorio. Creo que empaña ligeramente esta composición, casi como si una nota desafinada se colara al final de la función. No obstante, el trabajo ya estaba hecho. Caníbal es una de las mejores películas españolas de este año. Así que yo de vosotros le daría un bocado a este film. Quizás os sorprenda lo mucho que os gusta su sabor...

Nota: 7,5

ENTREVISTA A TERRY GILLIAM: BUSCANDO EL SENTIDO DE LA VIDA

72 años. Todo vitalidad, ironía e imaginación. Así es Terry Gilliam, ex miembro del grupo británico de referencia Monty Python y director de 12 monos, La vida de Brian, Brazil o El Secreto de los Hermanos Grimm. El cineasta nos recibe en la Suite del Hotel María Cristina durante su hora de la comida. Así de dura es la promoción de su nueva película: The Zhero Theorem. En ella, Christopher Waltz  interpreta a Oohen Leth, un excéntrico genio de los ordenadores que vive en un mundo corporativo controlado por una  misteriosa figura llamada "Dirección". Recluido en su hogar, Oohen trabaja en la solución a un extraño teorema, un proyecto que podría descubrir el significado de la existencia. Eso último va ser el leitmotiv de la entrevista. Descubrir cuál es el sentido de la vida para Terry Gilliam, mientras nos habla de su vida, obra y, en concreto de su último trabajo: The Zhero Theorem. Así que empezamos a hablar con el genio…

En esta última película nos remite a un concepto muy arraigado a su etapa en los Monty Python, El sentido de la vida (The meaning of live 1983),. ¿Cuál cree que es el sentido de la vida?
No, no puedo decir cuál es el sentido de la vida. Porque no creo que haya un sentido de la vida. Creo que cada uno se la hace a si mismo pero no existe una única razón para todo el mundo. La iglesia antes te decía lo que era el sentido de la vida. Pero ahora este personaje lo busca de forma estúpida…

¿Cómo nació este proyecto?
Esta historia nace a raíz del fracaso de mi proyecto de Don Quijote. Quería hacerlo hace 5 años pero al final hice”El imaginario del Dr Parnassus. Y el año pasado estaba preparando para rodar Don Quijote pero le dije a mi agente que este año tenía que rodar algo o de lo contrario empezaría a disparar a la gente (risas)* Así que me propuso la idea de The Zhero Theorem. Entonces, la productora dijo que sí porque iba a ser la mitad de lo que iba a costar hace cinco años. Sólo hizo falta que Christopher Waltz diera luz verde y el proyecto fuera adelante.

¿Y cómo fue el proceso para llevar a cabo este The Zhero Theorem?
El proceso fue muy rápido. La pre-producción empezó en julio y empezamos a grabar en octubre. El rodaje también fue de vértigo porque tuvimos que realizar tomas muy rápidas y emplear los recursos que nos permitían avanzar más rápidamente, sabiendo que más tarde podríamos modificar el metraje durante el proceso de post producción. Porque realmente no teníamos tiempo.

Usted siempre navega a contracorriente en su cine como Don Quijote...Lo digo porque usted siempre lucha por hacer su cine guste o no como si fuera Don Quijote enfrentándose a los molinos de viento...
Si realmente no crees en lo que haces, nada tiene sentido. Yo no quiero ser un director de encargo. Cuando hago una película tengo que estar poseído con la idea de hacerla. Y yo soy el que tengo que mandar y el que tengo que estar contento con el proyecto. Esta cinta tiene muchos paralelismos con Brazil de la que ya han pasado 30 años. Pero estamos ante una versión más reducida en cuanto a presupuesto de la misma...

Quería hacer una nueva versión de la misma porque... ¡el mundo ha cambiado tanto. ¡Ahora la tecnología está presente en todas las fases de nuestra vida! Y justamente la premisa de The Zhero Theorem es la historia de alguien que quiere alejarse de ese ruido, de toda esa tecnología. De esa forma, se puede aislar del mundo y reflexionar acerca de El sentido de la vida, sobre todo en lo que se refiere en las relaciones personales que entran en su mundo solitario. Los jóvenes de hoy en día...

¿Cómo saben quiénes son? ¿A través de Facebook? ¿Por Twitter? Así que la película va de eso. ¿Cómo puedes buscar la soledad en este mundo moderno? Y, lógicamente, definir que es este mundo moderno. Por ejemplo, lo que está haciendo algunos estados de Norte-América donde el concepto antiguo de iglesia está desapareciendo para mucha gente y, por ello, lo están modificando. Así que me pregunto: ¿Ese nuevo modelo en qué dirección va?

Supongo que la diferencia que hay Brazil es que ahí no había vinculación emotiva con los personajes. Y aquí si lo hay pero las relaciones son muy vanas...

Mira, yo tengo Facebook y no hablo con nadie. Y no quiero leer las opiniones de mis amigos en Facebook. No me interesa La NSA ya nos controla la vida a través de Facebook y Google…De hecho, si tienes una página de Facebook con mucho éxito, la gente te va a pagar mucho por tener esa información. (Risas) Pero no, eso no es para mi.

¿Qué es lo que le motiva a Terry Gilliam para seguir haciendo películas?
Porque es mejor que estar en casa mirando el ordenador. Además el proceso de hacer una película es una maravilla porque juntas a un montón de gente con talento, estás trabajando con ellos durante unos cuantos meses y durante ese tiempo breve, le dan un "sentido a tu vida".

Supongo que para Terry Gilliam el sentido de la vida de  es hacer películas.
Excepto cuando estoy haciendo una película. Entonces pienso que El sentido de la vida es cualquier cosa menos hacer una película. Además, me fascina el hecho de mis películas tenga críticas mezcladas, que la gente tengo opiniones muy positivas o negativas de las mismas. ¡Es una locura! Y eso me parece muy interesante. Porque yo no quiero hacer películas “bonitas”. Para mí eso sería la muerte. Estamos tan ocupados en nuestras vidas que sólo queremos ver el éxito en el cine.

Su película esta en varios festivales. ¿Cree que de esa misma forma, los diferentes públicos que la vean reaccionaran de forma diferente al verla?
Seguramente la audiencia latino-católica entenderá mejor mis películas. (Risas) Estaba siendo irónico, claro... Eso es cuando yo era más joven y compraba los discos de los Beatles y entonces salía un nuevo disco de ellos y no me gusta nada porque no se parecía al disco anterior. Pero como ya que lo había comprado, tenía la obligación de escucharlo de nuevo y lo escuchaba por segunda vez...Y al final, llega el punto de que acabas encantado con el disco. Creo que eso puede pasar con mis películas. Por ejemplo, recuerdo el caso de un periodista en París que vio Tideland y dijo: "Esta peli es una mierda, horrible. La odio'. Pero al tener que entrevistarme más tarde la tuvo que volver a ver y al final dijo que "era su película favorita. Interesante, ¿eh?"

Aunque The Zhero Theorem habla sobre el mundo digital es un regreso al cine analógico. En Parnassus todo era digital y en cambio aquí se nota su pasión por los decorados y una vuelta a sus orígenes donde todo era cortar y pegar.
Para mí, esta una película de vinilo o mejor dicho de semi-vinilo porque dentro de todo ese decorado está lleno de efectos especiales. Es una mezcla. De ahí lo de semi-vinilo. Además, la imagen siempre es igual sea en la TV o en el cine. Es 16:9. Así los bordes de la pantalla tienen esa forma tan característica porque es un homenaje a los inicios del cine. Tú veías lo que veía la cámara. Como en los orígenes del cine mudo…

No hay tiempo para más. Terry Gilliam termina de degustar el jamón y nos despedimos del genio, con la idea de que su próximo film sea su ansiado Don Quijote o, al menos, eso es que lo pretende este director visionario. No sabemos si esta vez será al fin la definitiva. Pero estamos convencidos de que, tarde o temprano ese proyecto verá la luz. Porque no hay nadie como Terry Gilliam para desafiar " los molinos de viento" de la industria...

*Juego de palabras. "Shoot" en inglés es rodar y, a la vez, disparar.

ENTREVISTA: HIROKAZU KOREEDA.

KOREEDA: "MI PROYECTO ES HACER UN FILM SOBRE CHINA DURANTE LA 2ª GUERRA MUNDIAL"  

 Desde el segundo día del festival hasta al final, Hirokazu Koreeda se ha convertido en el líder indiscutible del ranking de películas en la sección de Perlas del Zinemaldia 61, que premian a la mejor película elegida por el público, según las votaciones de éste al finalizar cada proyección. Ni Gravity, ni The Wind Rises, Ni Una Cuestión de Tiempo le han arrebatado el galardón popular a uno de los nombres que más han sonado en el certamen: Koreeda.

                        

Hirokazu Koreeda (是枝裕和 Kore'eda Hirokazu) nació en 1962 en Tokio. Koreeda había querido ser novelista, pero tras graduarse en la Universidad de Waseda trabajó como asistente de dirección de documentales para la TV Man Union. A partir de ese momento, decidió contar sus historias con la cámara. En 1991 dirigió su primera película cuyo título fue Maboroshi no hikari y, a partir de ese momento, empezó su carrera cinematográfica con films como "Still Walking", "Kiseki" o "Air Doll"; hasta llegar a su punto más alto con este Like Father Like Son.

Así pues, el director japonés que venía de triunfar en Cannes con este film (que se llevó el premio especial del Jurado del Cannes) nos respondió a nuestras preguntas; mostrando una serenidad y humildad que engrandecen aún mas y sin querer la figura del cineasta nipón.

-Qué hay de autobiográfico en esta historia?

Yo tengo una hija de 6 años y siempre estoy pensando ¿Cómo voy a educar a mi propia hija? Esa es una pregunta que le he dado le he dado muchas vueltas en esta película.

-¿Cómo fue trabajar con niños y que método usa para trabajar con ellos?

Ya he encontrado la manera de trabajar con los niños y para ello hay dos factores para tener en cuenta a la hora de trabajar con ellos. El primero es que nunca les doy un guión. Solo les explico la situación, que tiene que hacer, cual es el contexto sin utilizar nunca el guión. Y lo segundo es que no me limito a escribirles una frase y contárselo a los niños como un cuento si no que también escucho atentamente lo que ellos me dicen, por supuesto. Por ejemplo, en esta película el niño que esta con la familia pobre ya desde la primera audición utilizaba las coletillas "Nande" que significa "porqué" y “¡Oh my god!”. Así lo que hice fue coger esas expresiones que el usaba e incorporarlas en la película.

-Actualmente, el mercado cinematográfica oriental está en alza. ¿Cuál cree que es el secreto de su cine?
No sabía que estaba resurgiendo. Desconocía esta fama mundial. Tenía la convicción de que las películas japonesas cada vez menos tenían repercusión así que me sorprende mucho esta afirmación.

-¿En qué dirección cree que se dirige su filmografía?

Hace seis años, hice una película llamada Still Walking. En ella trataba acerca de mi propia madre que justo murió justo antes de que la película viera la luz. Esa fue la primera película que hice sobre lo que estaba ocurriendo a mi alrededor. Cuando hice esta cinta me sentí muy cómodo. Me sentía muy satisfecho de hacer una película con aquello que sucedía en mi vida, realmente. A partir de ese momento decidí hacer películas que trataran sobre lo que a mi me sucede en mi vida cotidiana. Y cuando hace seis años nació mi hija lo más importante para mí era la educación de mi pequeña.

-¿Cuáles son sus futuros proyectos?

De mis futuros proyectos hay cinco que tengo en mente. Entre ellos, alguno habla sobre la familia, pero también hay otro que habla sobre China en la Segunda Guerra mundial. Pero ahora mismo todo está en mi cabeza y no sabría cuál voy a hacer o realizar primero.

Se acaba la entrevista. No tenemos para más pero nos deja con la miel en los labios sobre todo por su última respuesta. Recordemos que la invasión japonesa en China durante la 2ª Guerra Mundial es un tema prácticamente virgen en el cine. Sólo dos películas y desde el punto de pisto chino han tratado el tema: "Ciudad de Vida y Muerte" que ganó la Concha de Oro en San Sebastián y la reciente "Las Flores de la Guerra, de Zhang Yimou. ¿Cuál será la versión de un nipón sobre el conflicto? Esperemos que se lleve a cabo este proyecto. Sería la consolidación de uno de los nuevos maestros del cine: Hirokazu Koreeda.

CRÍTICA: CANÍBAL

Tenebrismo. Término usado en la pintura barroca que se refiere a esa clase de óleos cuyo violento contraste de luces y sombras es su rasgo más característico. Velázquez ya lo usó en muchos de sus cuadros y ahora otro andaluz la utiliza para hablar de un corazón entre tinieblas latiendo en Granada. Un corazón que se alimenta de carne humana.

No en vano, las imágenes de Caníbal (cuya fotografía fue premiada en San Sebastián) son la base para la sinfonía de silencios que su director Manuel Martín Cuenca funde con la sutileza y la angustia para erigir su última película. Una obra cuyo tótem es un asesino magistralmente interpretado con pasmosa intensidad (y a la vez contención) por un gran Antonio de la Torre. Sastre de día, asesino de noche. Siempre solitario y perdido en un mal que nunca acabamos de entender. Simplemente, él es lo que es y ese es el viacrucis personal del protagonista. Sólo la luz del personaje de la gran Olimpa Melinte parece la única capaz de iluminar su alma oscura...

La posible redención es lo que veremos al largo de esta obra de claroscuros, donde la forma le da categoría al por otro lado un género tan manido como el psycho-thriller. Pero el film lo revaloriza gracias a la forma en la que nos muestra el contenido. Es por eso, que lamento que su desenlace se me antoje algo apresurado e insatisfactorio. Creo que empaña ligeramente esta composición, casi como si una nota desafinada se colara al final de la función. No obstante, el trabajo ya estaba hecho. Caníbal es una de las mejores películas españolas de este año. Así que yo de vosotros le daría un bocado a este film. Quizás os sorprenda lo mucho que os gusta su sabor...

NOTA: 8

CRÍTICA: THE BLING RING

Vaya por delante la afirmación que creo que Sofía Coppola es una buena directora. La hija del director del El Padrino sabe manejar los recursos visuales y el oficio de realizador para contar una historia. El gran problema es que en esta ocasión, no tiene relato alguno en su film si no que es una forma (contenida, eso sí) de practicar el onanismo de su universo personal. Dicho de otro modo, Sofía Coppola es una mujer de familia rica que ama el lujo, el Channel y la fama y aquí lo muestra, sin esconderse de ello.  Nada que reprochar a eso pero al margen de esta declaración de intenciones... ¿Hay algo más? No, no hay nada más porque parece que a la directora de Lost in Translation (visto su último trabajo parece mentira que realizara esa joya) no le interesa.

Un grupo de adolescentes fascinados por las celebridades y el universo de las marcas rastrean en Internet la agenda de las celebridades para robar sus residencias. Sustraen por valor de más de 3 millones de dólares en objetos de lujo: joyas, ropa, zapatos, etc. Y de eso va la película.

La primera hora de metraje se dedica a filmar a "Gossip Girls" entrando y saliendo de casas de famosos sin mayor dificultad, probándose sus ropas caras y sus complementos aún más exclusivos.  El ineludible conflicto moral se antoja terciario (para ser generosos), construyendo el film en un falso flashback para crear una artificial y fallida sensación de tensión. La última media hora es rutinaria, hueca y no corresponde al hype que la propia película ha creado anteriormente. Da la sensación de que Sofía ha querido hacer un documental de casas de famosos y lo ha disfrazado de película. Ni siquiera los protagonistas están definidos. Son puros arquetipos y, cuando acaba el metraje, prácticamente no sabemos nada de ellos. Solamente la secundaria roba-escenas Emma Watson está para salvar los muebles. Eso y la capacidad visual de la directora que se antoja fría al no crear una empatía y conexión con lo que está contando.

El humor está presente pero le falta mala uva y da la impresión de que la realizadora no ha querido cargar las tintas con ese mundo tan cercano al suyo. Todos son carencias y muy pocas virtudes para inflar una anécdota y convertirla en largometraje. Esperemos que la próxima ocasión, esta directora use su talento para contar algo interesante y no un product placement de la ruta de las casas de los celebrities de L.A. Si queréis verla, hacedlo con esa advertencia. Es la transliteración de las revistas de moda a una pantalla de cine pero, según este crítico, ese experimento no desarrolla un conflicto sólido con el que levantar esa idea.

NOTA: 4

CRÍTICA: LA HERIDA

La herida, de Fernando Franco, es la historia de Ana, una mujer perdida que quiere escapar y no puede porque se encuentra siempre con un muro que se lo impide. El mismo muro que su muro se construye para encerrarse en él. Fernando Franco debuta en la dirección poniendo el foco en esta asistente de ambulancias con deseos suicidas y que tiene serios problemas para relacionarse, actuando con agresividad incluso con su entorno más cercano a diferencia de lo que ocurre en su ámbito laboral. 

CRONICA SITGES: LUNES Y MARTES

Aprovechando lo pertinente de una de las metáforas empleadas por Álex de la Iglesia en la masterclass del martes, prefiero los invitados a la boda que quien se casa. O mejor dicho, como me ocurrió con San Sebastián en este certamen de Sitges por lo general me llaman más la atención las películas que no concursan que las que lo hacen. Y eso que aquí el catálogo es más numeroso...Por ejemplo, la mejor película que he visto del certamen con diferencia es ni nada más ni nada menos que una comedia. Y es que primero fueron los zombis. Después, los films de acción policíaca. Y ahora, la última muestra de los Stan Laurel y Oliver Hardy nerd- cockney es Bienvenidos al fin del mundo. 108 minutos de gags inspirados. Un in-crescendo que no tiene ni un bache, ni un momento de respiro. Todo empieza cuando cinco amigos de la infancia que vuelven a reunirse luego de 20 años para repetir una maratón de consumo  cervecero en su pueblo natal hasta que una invasión planetaria se cruzará en su camino. Drama, acción y frikismo se cita en esta fiesta del humor con mensaje anti-bilderberg, aceptación de la madurez y los valores humanos. La comedia imposible la acaba de dirigir Edgar Wright con Simon Pegg y Nick Frost. Una cinta que se convierte en la mejor comedia total en mucho mucho tiempo.

Como hablar de Enemy, sería reiterarse en lo que defendí en San Sebastián (joya kafkiana donde las haya) seguiré con la sección oficial. El lunes casi sufrimos un cortocircuito con Coherence.  Coherence es una de intriga claustrofóbica de física cuántica sobre las realidades paralelas. Ahí es nada. Un film nada fácil que se va enredando como un ovillo de lana partiendo de un grupo de amigos en una casa mientras pasa un cometa. El director estructura en exceso los actos del impro-show que dio pie al film y a la vez se recrea demasiado en unos diálogos insubstanciales en una película interesante pero le cuesta horrores arrancar. Un film que con otro montaje creo que hubiera sido mucho mejor de lo que es pero tampoco no es nada desdeñable y que contiene sobretodo un inspirado segmento final.

MARTES: ALEX DE LA IGLESIA Y REFN

Por su parte, martes fue el día de Solo Dios Perdona, Real y el de la Masterclass de Álex de la Iglesia. No me voy a extender mucho con el film nipón. Parece mentira que ante el alto nivel del cine oriental una de las propuestas que crucen el charco sea la presente. Porque Real ha sido para este cronista, uno de los films más flojos y aburridos del certamen. Historia alargada en exceso, interpretaciones frías y un caos torpe del que cuesta conectar. Muy poco que rescatar amén de una parte final algo más dinámica y alguna solución visual resultona.

Así que dejemos decepciones aparte y hablemos de un golpe encina de la mesa lleno de buen cine. Estamos hablando de Sólo Dios Perdona de Nicolas Winding Refn. El cine independiente de Hollywood mira al cine asiático para hacer un sugerente piscolabis onírico (aunque en este caso sea una coproducción europea) que firma el director de Drive. Un film cuyo énfasis a su estilo visual que parece heredero del Wong Kar-Wai mas soñador con su predilección por primerísimos planos, tomas largas y el rojo centelleante de 2046. También se impregna de la violencia del cine japonés de Kitano o el del coreano Park Chan-Wook salpicando los planos de esta historia con un sanguinario entremés fileteado con katanas e interrumpido por balas fatales. Un relato en la que sigue latiendo ADN de noir usa como la Marlene Dietrich que encarna Kristin Scott Thomas o ese Ryan Gosling que lleva al paroxismo su figura de héroe (imperfecto) de hielo. Y es que aunque creo sinceramente que hay algo de postureo en la propuesta que no le hace bien,  su justo metraje no hace naufragar este chupito asiático-norteamericano ( y europeo); convirtiendóla en un pulp de qualité.

Y sobre los 75 minutos de la masterclass de Álex de la Iglesia os diré que se hicieron cortos. Creo que brillante se queda pequeño al definir uno de los momentos del festival. El director vasco respondió a las preguntas de este festival del cual se declaró un fan mas: "Sitges es el lugar donde me lo he pasado mejor, donde he disfrutado del cine, donde he visto películas que no se me olvidarán nunca y he presentado películas que tampoco olvidaré jamás".

Y por lo demás, no se rumorea ninguna clara favorita. The Green Inferno es el film que despertó mayor hype y Coherence es de esas películas controvertidas que tiene fans acérrimos y fuertes detractores. Aunque este crítico si tuviera que decantarse por ahora lo haría por Mindscape. Lástima que a priori no está en las quinielas pero nunca se sabe. Así que seguiremos informando...

ESPECIAL ZINEMALDIA 61

Un año más llega a la capital guipuzcoana el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, un evento que lleva celebrándose sin interrupción desde sus comienzos en 1951 y que es uno de los más importantes de toda Europa. Por éste han pasado para presentar sus películas las grandes figuras del cine, tanto directores como actores, creando una atmósfera cosmopolita y cargada de glamour durante 61 años de cine. Este año, en la alfombra por la la que han pasado estrellas de celuloide de la talla de Alfred Hitchcock o Audrey Hepburn, recibió a Hugh Jackman o Carmen Maura como premio Donosti y le dió la Concha de Oro a la venezolana Pelo malo.

Aqui están la lista de crónicas de este año en las que he cubierto el festival por primera vez. Espero que os guste.

DIA 1

DIA 2

DIA 3

DIA 4

DIA 5

DIA 6

DIA 7

DIA 8

PALMARÉS

ZINEMALDIA 61: DIA 9 ( PALMARÉS)

Sorpresa inesperada. Salta la banca. Los gustos del Jurado acabaron resultados absolutamente contrarios a los de los periodistas acreditados. Sólo los medios latinoamericanos parecían entusiasmados por este regalo en forma de Concha dorada. Enemy y Vivir es Fácil con los Ojos cerrados, dos de las favoritas por la crítica, se fueron de vacío y como mejor película se premió a la cinta venezolana Pelo malo, de Mariana Rondón, film que ha pasado sin hacer ruido y que ha sorprendido a todos. Así pues, el Palmarés apostó fuerte por el cine latinoamericano, olvidando a las "favoritas" porque, además, Club Sándwich se llevó el premio a mejor director para Fernando Eimbcke.

Por su parte, la cinta que más contentó a Jurado y a crítica es, como dice su director Fernando Franco, "una película chiquita hecha con las entrañas". Se trata de La herida, que recibió doble galardón: El Premio Especial del Jurado y la Concha de Plata a mejor actriz para una Marián Álvarez, quien dedicó un emotivo discurso. En éste citó a Fernando Franco como parte de "su familia". Se notaba que el personaje de La Herida ha calado muy hondo en la actriz. Tanto como en el público.

En la categoría de actor, Jim Broadbent conseguió el galardón por Le Weekend, imponiéndose a los dos favoritos: Antonio de la Torre y Javier Cámara. El actor, al que recordaremos sobre todo por ser el maestro de ceremonias de Moulin Rouge, Harold Zidler, no pudo asistir a la gala, pero el responsable de A contracorriente recogió el premio en su nombre. La última película del director de Nothing Hill sobre la vejez dejó huella en el Jurado y se llevó un importante reconocimiento para el Reino Unido.

Respecto al premio a mejor guión fue a parar a Quai d'Orsay, una sátira que no nos acabó de convencer como relatamos en nuestra crónica. Y Caníbal sólo consiguió fotografía. Para este cronista, el regusto no puede ser más amargo. Suerte de los Premios del Público en las Perlas. Esta categoría tan llena de maravillas ha premiado a dos de las mejores películas vistas en el certamen. About Time, de Richard Curtis, como mejor película europea y  también a la conmovedora cinta japonesa Like Father Like Son, de Koreeda, que lideró el ranking de votaciones del público desde los primeros días del certamen. Y no olvidemos el Premio Especial Otra Mirada otorgado por TVE: Ozon ha vuelto a ganar en San Sebastián con la fantástica Jeune & Jolie.

Y llegamos al fin. Con un Palmarés controvertido que dará que hablar. Pero no importa realmente el ganador. Cada uno tiene su Concha de Oro. Lo importante es haber disfrutado de las maratonianas sesiones de cine en el Kursaal, en el Teatro Principal o en el Victoria Eugenia. El certamen se termina, los recuerdos de photocalls se desvanecen y el Hotel María Cristina se vacía de estrellas del celuloide. Y nos quedamos con la sensación de lo que a uno le llena es esa pasión de saber que uno no está solo cuando se apagan las luces del proyector. Cientos de personas de edades, procedencias y filias y fobias diferentes se han reunido en esta Fiesta Donostiarra con un elemento común: El 7º arte. ¡Viva al cine! Hasta aquí el 61 edición del Festival de San Sebastián.